Стиль кубизм в живописи: 122 картины, художники, суть кратко, работы Пикассо, черты, особенности

Описание стиля

Художественный стиль кубизма стал необычным образцом искусственного авангарда, где первостепенное значение имеют острые углы, прямые линии и нейтральные оттенки. Главный аргумент — рисунок не должен быть реалистичным. Изображение больше похоже на головоломку, которую зритель собирает в уме.

Образная концепция этого направления построена на попытках разложить объект на пространственную форму или модель, тем самым выражая универсальность его представления. Полотна этого стиля легко узнаваемы по плоским и двухмерным изображениям, нейтральным и линейным видам. Кубические полотна отличаются обилием геометрически правильных пропорций, углов и линий на фоне равнодушного цвета.

Отказ от объема реальных образов в искусстве положил начало неповторимому стилю особого авангарда, полностью отрицавшему перспективу и светотень. Кубизм в живописи намеренно искажал, иррационально разделял и формировал ансамбли геометрических фигур, которые были совершенно нелогичны друг другу. Направление, лишенное реализма, оказалось противоречащим индивидуальному развитию кубизма в искусстве.

«Девочка на шаре». (1905 г.) Холст, масло. 147 × 95 см.

Начало оживления жизни. Розовый цвет стал основным цветом в творчестве Пикассо на два года. Он написал несколько работ на тему странствующего цирка, которым он был увлечен. В 1913 году его купил коллекционер и потомок Саввы Морозова писательница Гертруда Стайн, открывшая перед молодой художницей дверь в богемную жизнь. Она была не только его другом, но и покровительницей, покупавшей его картины за небольшие деньги. Он продал картину Ивану Морозову за 13 000 франков. Работа хранится в ГМИИ, откуда поступила из национализированной коллекции Морозовых.

Черты кубизма

Для кубизма характерны линии прямых геометрических форм, завуалированные узкими предметами (портреты, натюрморты, здания), намеренно деформированные угловатыми, грубыми и лишенными реализма. Это направление живописи, где формальные части изображения важнее цветовой гаммы.

Картины кубизма асимметричны и неправдоподобны, в которых предметы предстают как комплекс плоских геометрических форм. Перспективные аспекты на чертежах не учитываются, цветовая шкала приглушена.

Например, портрет содержит одновременное изображение лица в профиль и лица. Или, как вариант идеологического самовыражения, привлекательность техники коллажа — добавление в основу разнородных элементов (склейка предметов, вырезок из газет, ткани разной фактуры) для создания особой формы произведений «синтетического» кубизма.

Игра с реальностью путем склеивания инородных вещей существует со времен барокко. В классике коллаж считался высшим мастерством художника, предлагая зрителю выбор: найти отличия оригинала от копии. В кубизме внимание приравняло эти концепции к двум идентичным реальностям. Коллажные эксперименты проводились в период 1910-1912 годов и связаны с формированием и развитием аналитической формы радикального направления живописи.

«Авиньонские девицы» (1907 г.) Холст, масло. 244 × 234 см

Известен как одно из самых ранних проявлений кубизма в творчестве художника. Обнаженные тела намеренно лишены гибкости и по позам нетрудно догадаться, что девушек истребляют обитатели публичного дома, где часто бывал автор.

Здесь отчетливо прослеживается переход мастера от страсти к голубому и розовому к африканскому периоду, который вскоре уничтожил новый жанр. Почти год работы. С тех пор Пикассо стал узнаваемым: хотя публике и критикам не нравился макияж, он стал визитной карточкой художника, а позже послужил отправной точкой для целого художественного направления.

Художник расстался с ней в 1920 году. Семнадцать лет спустя мир впервые увидел эту работу, и вскоре она была приобретена Нью-Йоркским музеем.

Как понять кубизм

Источником революционного стиля считаются парадоксальные работы французского постимпрессиониста Поля Сезанна. Художник использовал многомерную стилистику для передачи видения объекта.

Из его работ последователи кубизма извлекли искажающий эффект ракурса, одновременную демонстрацию изображения в разных аспектах, цветную умеренность цветов и объем со стабильной и тяжелой конфигурацией. Тезис кубизма «мы смотрим геометрически» нашел свое оправдание в основах техники рисования.

Несмотря на критику, новаторы кубизма раздавливают объект о край, переворачивают или переворачивают на плоскость с благородной целью дать зрителю ощущение объема со всех возможных положений рисунка.

Основное понятие кубизма — понятие времени. Чтобы визуализировать изображение, зритель вынужден мысленно повернуть, повернуть объект, заглянуть внутрь и повернуться вокруг него.

По сути, кубизм олицетворял то, что знал автор, а не то, что он видел. Один из основоположников кардинального стиля оптического преломления П. Пикассо охарактеризовал свои работы следующим образом: «Я пишу как природа, но не сама природа».

понять направление искусства практически невозможно без изучения картин его последователей. По мнению основоположников стиля Брака и Пикассо, «объективность изображения достоверна и максимальна только при демонстрации его смешанных ракурсов».

Да, кубизм — плохая форма графической визуализации, но он наполнен сложной символикой и идеологическим совершенством как отдельный вид фрагментации западной культуры.

История возникновения

Официальное появление художественного движения «Кубизм» относится к 1905–1907 годам. История жанра начинается с двух эксцентричных попыток изменить традиционную художественную концепцию имитации предмета. В 1907 году культурному миру была представлена ​​картина П. Пикассо «Девушки из Авиньона» с видением африканского мотива Сезанном. Пока друг находился в эйфории иберийской культуры, французский художник Ж. Брак резко переключился на лаконичность и геометризацию сюжета, объявив обществу свое понимание идей Сезанна: картину «Дома в Эстаке».

В то время как работы испанца откровенно продемонстрировали авангардный принцип в форме формального анализа, французы интерпретировали причудливую идею постимпрессионизма как множество перспективных взглядов.

Первая общественная реакция на революционное искусство была предсказуемой. В 1908 году картина Ж. Брака подверглась резкой критике со стороны влиятельного Луи Возеля, назвавшего произведение «кубической прихотью». В то же время известный фовинист, француз Анри Матисс охарактеризовал картину Брака «кубиками».

Несмотря на отрицательную оценку воспринимаемых образов, до 1911 года революционный стиль кубической живописи оставался лишь экспериментальным путем уникального тандема творческой энергии двух важных почитателей творчества Сезанна: Брака и Пикассо.

Девушка перед зеркалом (1932)

Картина «Девушка перед зеркалом» (Jeune fille devant un miroir) была написана Пабло Пикассо в 1932 «сюрреалистическом» году и в настоящее время экспонируется в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Начиная с определенного этапа творчества Пикассо, совершенно бессмысленно делить то, что он создал, на «периоды» — гораздо удобнее дифференцировать по женщинам Пикассо, а точнее по его любовницам, которыми он ненасытен. Художника Малаги всегда окружали, как восточного набоба.

По такому принципу классификации «Девушка перед зеркалом» (162,3 × 130,2) относится к «периоду Марии-Терезии Вальтер» — молодой модели и, конечно же, возлюбленной Пикассо, с которой художник познакомился в январе 1927 года женат на Ольге Хохловой . читать полностью

«Дора Маар с кошкой» (1941 г.) Холст, масло. 128 × 95 см.

Картина хранится в Грузии у частного лица. Миллионер приобрел его в 2006 году за более чем 100 миллионов долларов.

На нем изображена та самая Дора, с которой судьба свела артистку за семь лет. Роман был ярким, как комета, и закончился его душевным срывом. Он никогда не позировал, но его образ запечатлен на многих портретах. В последние годы их отношений улыбка на холсте сменилась слезами. Плачущая Дора — персонаж целой серии ее работ. Но эта дама в шляпе довольно энергична, уверена в себе и чувствует себя победительницей. Черная кошка на плече демонстрирует независимый характер.

Сочетание цветов помогает зрителю погрузиться в атмосферу, раскрывая символы.

Я, Пикассо (1901)

«Я, Пикассо» — картина, написанная 19-летним Пабло Пикассо летом 1901 года для совместной выставки с Франсиско Итуррино в знаменитой тогда галерее Амбруаза Воллара в Париже.

Готовясь к этому «главному» событию того времени, молодой, энергичный, полный уверенности в себе и в своих силах, Пикассо работал как вол, написав всего более 70 работ.

Париж, куда в то время стремились все художники мира, еще не показал Пабло его самую некрасивую сторону. Друг Пикассо Касагемас, который в итоге покончил жизнь самоубийством в парижском кафе, был еще жив — а потому думать об отчаянии холодных зимних тонов «голубого периода» пока рано . читать полностью

Три стадии кубизма в живописи

Руководство не осталось неизменным. В развитии стиля выделяют три этапа: кубизм Сезанна, аналитический и синтетический.

Сезановский кубизм (1907-1909)

Стремление к упрощению форм и страсть к абстракциям — кардинальные принципы первой фазы кубизма. Исследователь искусства Андре Салмон считал, что новый стиль был реакцией на отсутствие формы у импрессионистов.

Тенденция развивается под влиянием символистов, которые ставят во главе всего идею, а не ее материальное отражение. Художники не пытались запечатлеть изменчивость вещей, они передавали идеи через образы с особым смыслом. Первые картины созданы под влиянием творчества Поля Сезанна, они полны символов.

Французский художник передал на своих полотнах свое особое видение действительности. Итак, гора Сен-Виктуар у Поля Сезанна представлена ​​множеством гигантских блоков, образованных огнем. Самое удивительное, что художнику кажется, что огонь еще бушует в неподвижных предметах. Поль Сезанн рассказал об этом своему другу Иоахиму Гаске.

Гора Сент-Виктуар, Поль Сезанн

Аналитический кубизм (1909-1912)

Для второй фазы характерны необычные оттенки цветов: они становятся полупрозрачными при пересечении плоскостей. Художники продолжают экспериментировать с расположением предметов в пространстве. Картины начинают казаться монохромными из-за уменьшения текстурных и цветовых контрастов.

Необычно выполнены пейзаж, портрет и натюрморт в стиле кубизм. Предметы состоят из небольших частей, которые можно легко отделить друг от друга. Возникает ощущение, что в представленном мире не действуют законы времени и пространства. Линии могут внезапно порваться, а формы расплыться. Художник похож на ребенка, любящего экспериментировать. Это как если бы он разобрал башню из кубов, а затем построил новое здание из старых частей.

Вместо привычных предметов на полотнах появляются плоские принты. Детали представлены с разных сторон. Никакое описание не передаст все характеристики второго этапа с такой точностью, как сами работы. Чтобы познакомиться с аналитическим кубизмом, взгляните на работы художников Золотого сечения. В это творческое объединение вошли Марсель Дюшан, Жак Вийон, Альбер Глез, Жан Метцингер и другие.

Две женщины сидят у окна Альберта Глейза

Синтетический кубизм (1912-1914)

Этот этап еще называют «коллажным кубизмом». Элементы на полотнах кажутся вырезанными из разных работ, а затем тщательно склеены. В творчестве Брака и Пикассо есть натюрморты, состоящие из таких отдельных частей, как лоскутные одеяла.

Натюрморт Жоржа Брака

Завершенность работы придают лаконичные линии, соединяющие детали между собой. Художники уделяют пристальное внимание рисунку и фактуре поверхностей.

Индейка с трюфелями и вином, Пабло Пикассо

Синтетический кубизм в живописи отличается красочным исполнением. Художники используют графические знаки для завершения своих проектов. На полотнах появляются заметки, цифры и буквы. Интересный момент высказал французский критик Ален Жуфруа. Он сравнил эти изображения с изображениями типичного кафе, где газеты, меню и ценники расположены рядом друг с другом на столе. Художники делали коллажи из отдельных произведений или раскрашивали их с нуля.

Натюрморт с гитарой, Пабло Пикассо

Несмотря на схожесть, работы любого кубиста легко отличить от работ других художников. Так на полотнах Брака появляются термины мира музыки. Вспоминается работа испанского иллюстратора и скульптора Хуана Гриса. Также он активно использует технику коллажа для создания натюрмортов.

Натюрморт Хуана Гриса

В кабаре «Проворный кролик» (1905)

Картина «Проворный кролик», также известная как «Арлекин со стеклом», была написана 24-летним Пикассом в 1905 году по просьбе одного из его тогдашних друзей — владельца кабаре «Проворный кролик» на Монмартре Фредерико Жерара, известного среди друзей как Фреде.

Фактически Фреде купил это дрянное кабаре за смешные деньги только для того, чтобы иметь возможность реализовать свои навыки гитариста и певца, выступая в стенах собственного клуба.

В те времена, чтобы привлечь больше посетителей, владельцы таких заведений часто заказывали картины, служившие рекламой бара или ресторана, у молодых художников, которых на Монмартре было в изобилии, а картина «Проворный кролик» — всего лишь случай жанр . читать полностью

Плачущая женщина (1937)

Картину Пабло Пикассо «Плачущая женщина» (1937) следует рассматривать как тематическое продолжение ужасной трагедии, представленной художником в эпической и монументальной картине «Герника», заказанной Испанской Республикой для Всемирной выставки 1937 года в Париже.

На таком восприятии картины зрителем настаивал и сам Пикассо: перед плачущей женщиной, искаженной страданиями, мы должны сначала увидеть реакцию художника на бомбардировку люфтваффе баскского городка Герника, из-за которого большое количество мирные жители погибли (26 апреля 1937 г.), а Герника из-за бомбежек и возникшего пожара была практически разрушена.

«Плачущую женщину» (1937) можно считать завершением серии картин, гравюр и рисунков, которые Пикассо сделал в знак протеста. У художника были очень личные испанские мотивы — и не только Герники . прочитать статью полностью

Пабло Пикассо: произведения «розового» периода

Картины, знаменующие начало нового периода, впервые были выставлены в конце зимы 1905 года в галерее Серюрье: это «Сидящая обнаженная» и «Актер». Одним из признанных шедевров «розового» периода является «Семья комиков» (на фото выше). Полотно имеет внушительные размеры — более двух метров в высоту и ширину. Фигуры артистов цирка изображены на фоне голубого неба, принято считать, что арлекин с правой стороны — это сам Пикассо. Все персонажи находятся в статичном состоянии и между ними нет внутренней близости, каждого связывает внутреннее одиночество — тема всего «розового» периода. Кроме того, заслуживают внимания следующие работы Пабло Пикассо: «Женщина в рубашке», «Туалет», «Мальчик верхом на лошади», «Акробаты. Мать и сын», «Девушка с козой». Все демонстрируют зрителю. Редкие для картин художника красота и безмятежность Новый импульс творчеству пришел в конце 1906 года, когда Пикассо уехал в Испанию и оказался в небольшой деревне в Пиренеях.

Девочка на шаре (1905)

Картина «Девушка на шаре» была написана Пабло Пикассо в 1905 году и ознаменовала окончательную победу «розового над синим» и оптимизма над меланхолией, которой пронизаны все работы Пикассо «голубого периода».

В 1913 году «Девушка на шаре» была приобретена Морозовым, а после революции и в результате национализации оказалась в Государственном музее имени Пушкина, где, к счастью, находится и по сей день.

К счастью, потому что «Девушка на шаре» — выдающееся произведение, величайший шедевр, когда-либо созданный Пикассо за его более чем долгую карьеру художника. Вы можете восхищаться работами гениального малагского художника — или, наоборот, ненавидеть его, считая Пикассо непревзойденным арт-мошенником, который возвысил уродство до абсолюта и заставил его обожать .. прочитать статью полностью

Фазы

Критики современного искусства выделяют три основных этапа в развитии кубизма, где переход к каждому последующему этапу живописи еще больше смещает реализм от живописной техники, заполняя пробелы геометрией.

1. Кубизм Сезанна (1907-1909). Начальная фаза зарождения и развития своего рода жанра, основанного на переплетении экспериментальных форм живописи Поля Сезанна с иберийской тематикой. Последователи стиля отходят от истинного образа объекта, визуально деконструируя его на отдельные геометрические части. Объективная декомпозиция приводит к красочному рисунку: лицевые составляющие изображения окрашены в теплые тона, фон — в холодные.
2. Аналитический кубизм (1909-1912). Момент, когда кубисты начали экспериментировать с объемной формой и перспективной областью рисунка. Для направления характерно появление полупрозрачных плоскостей с переливающимися оттенками, а также хаотичное расположение геометрических фигур.
3. Первые элементы эстетики синтетического кубизма (1913-1914) видны в творчестве испанского художника Хуана Гриса. По мнению американского теоретика литературы Гертруды Стайл, акварелиста можно считать одним из основоположников смелого стиля геометризации объемов, поскольку «Пикассо был мастером, а Грис добавил выразительную фантазию к абстракции». В этом направлении для полноты рисунков рисунка кубисты используют фактуру поверхности, рельефный орнамент или аппликацию.

Таким образом, последователи первой фазы развития кубизма (направление Сезанна) выделили геометрические элементы, составляющие предмет, и отграничили его от пространства. Аналитические кубисты экспериментировали с разделением объекта на геометрические части, таким образом показывая объект под другим углом зрения.

Чтобы передать зрительный контакт формы и пространства в своих композициях, художники использовали технику коллажа. Жанровыми характеристиками синтетического кубизма являются случайные реплики или другие модификации предмета. Последователи «синтетики» активно использовали геометрический дизайн для создания новой формы с независимой иррациональной реальностью.

«Мальчик с трубкой» (1905 г.) Холст, масло. 100 × 81 см.

Рекордная по стоимости в 2004 году картина была куплена частным лицом на аукционе за 104 миллиона долларов коллекционером, послом США в Великобритании. Его семья сохраняла работу более полувека, заработав 74 миллиона долларов.

Пикассо писал картину в общежитии юных художников, куда часто падал подросток, изображенный в гирлянде из роз. Эта деталь пришла в голову художнику после того, как замучил себя размышлениями над тем, как закончить работу.

Практически все ранние картины художника находятся в музеях, поэтому это было редким исключением. Имя частного коллекционера, купившего его, не разглашается, опасаясь кражи.

Герника (1937)

Герника — одна из самых известных картин Пабло Пикассо, написанная художником в период с мая по июнь 1937 года и сейчас принадлежит коллекции Музея королевы Софии в Мадриде. Название картины является прямым отсылкой к бомбардировке баскского города Герника немецким легионом «Кондор» 26 апреля 1937 года во время гражданской войны в Испании.

Картина была заказана Пикассо правительством Второй Испанской республики для экспонирования в испанском павильоне во время Парижской международной выставки 1937 года, чтобы привлечь внимание общественности к тяжелому положению республиканцев.

В 1940-х годах, когда в Испании установилась военная диктатура генерала Франко, Пабло Пикассо решил оставить картину в Музее современного искусства в Нью-Йорке, выразив свое намерение вернуть «Гернику» Испании только после демократического строительства прочитать всю статью

«Обнажённая, зелёные листья и бюст» (1932 г.) Холст, масло. 162 × 130 см

С 1936 года его владельцы менялись дважды. Пока не выставили на аукцион. От него в 2010 году «Обнаженная…» ушла за 106,5 миллиона долларов неизвестному человеку.

Еще одна ценная запись, как и многие работы Пикассо.

он был написан художником тайно от жены с Марией Терезой Вальтер, молодой любовницей, подарившей ему дочь. Художнику было 46 лет, и начало романа было многообещающим.

Всего насчитывается более пятидесяти его портретов и скульптурных бюстов. Этот образ был написан всего за 24 часа в своем сюрреалистическом стиле.

Вдохновение дает и подготовка очередной выставки, посвященной 50-летию знаменитого художника. Он хочет превзойти своего соперника и друга Матисса, который также намерен удивить публику своими выставочными работами.

Семейство комедиантов (1905)

Картина «Семья комедиантов» (также переводится «Семья комиков»), написанная Пикассо в 1905 году, обычно считается доминирующей композицией и вершиной «розового периода» в творчестве художника.

Монументальные размеры холста 212,8 х 229,6 см делают эту картину самой большой из всех, над которыми Пабло Пикассо работал до того времени.

Фоном картины изначально был ипподром, но позже Пикассо заменил его этим засушливым, загорелым пейзажем, напоминающим родину художника — Андалусию на юге Испании

Кубизм в России

Удивительно, но французский авангардный кубизм быстро стал популярным в других странах. В России появление революционной техники кардинального искажения действительности связывают с ее первооткрывателем С.И. Щукиным, московским коллекционером и покровителем экспериментов Пикассо.

Русский кубизм стал переходной школой авангарда для большинства местных художников, оставив их на сцене Сезанна с незначительным оригинальным обогащением.

Примеры влияния стиля на русское искусство можно увидеть в работах объединения «Бубновый валет»:

• художник П.П. Кончаловский — поклонник русской популярной интерпретации цветового строительства П. Сезанна, известный натюрмортами в стиле, близком к фовизму и аналитическому кубизму;
• художник-пейзажист А. В. Куприн, с 1910 г принявший членство в «Валете живописи» и 14 лет писавший натюрморты в стиле кубизма;
• художник И.И. Машков, в 1911-1916 годах, автор многочисленных композиций с элементами Сезанна и аналитического кубизма, представленных на официальных выставках общины;
• еврейский художник Р. Р. Фальк, основатель Fante di Quadri и поклонник синтетического кубизма с 1910 по 1916 год.

Другие, более радикально настроенные художники (В. Е. Татлин, К. С. Малевич и др.) Быстро сориентировали элементы кубизма в сторону нейтрального футуризма, идентичного ему по идеологическим соображениям. Вмешательство смелых «французов» в формалистическое направление искусства стало противовесом России иностранной культуре как передовому авангардному движению, свободному от Запада.

10 известных художников-кубизмов

Новаторство в восприятии, особая передача реальности, возможность реализации собственной точки зрения и индивидуальная эмоциональность привлекли к кардинальному движению аудиторию известных художников-иррационалистов.

Пабло Пикассо

Основоположник кубизма — революционного направления Возрождения. Его стиль отвергал натурализм, упражняясь в сознательной деформации и разрушении объекта. В период «синтетики» автор стремится к гармонии цвета, иногда пишет композиции со сбалансированными овалами. Значительное кубическое влияние на творчество испанца закончилось в 1915 году.

Хуан Грис

Ярый поклонник модерна, в 1908 году он был восхищен новым стилем кубического восприятия природы. Вместе с П. Пикассо акварелист работал над созданием авторских моделей новаторского жанра. С 1913 года впервые в картинах в стиле кубизма он применил технику коллажа.

Жорж Брак

Основоположник кубизма. Вместе с П. Пикассо он стоял у истоков новаторского искусства объективной геометризации. В творчестве французского живописца упор сделан на визуальную иллюзию и художественную репрезентацию.

Фернан Леже

Под влиянием кубизма с 1909 года его работы стали более абстрактными, с 1910 по 1914 год французский декоратор успешно экспонировался на выставках Брака и Пикассо.

Марсель Дюшан

В 1910–1920 начал пропагандировать радикальный авангард, близкий к сюрреализму («Обнаженная, спускающаяся по лестнице» 1912 г., «Двуликая обнаженная невеста из холостяков» 1915–1923). Избегая роли художника, он постоянно шокировал публику готовыми — провокационными объектами «готовых вещей», сопровождаемыми авторскими абсурдными комментариями.

Сальвадор Дали

В живописи испанец вдохновлялся творчеством Пикассо. Сюрреалистические работы метра с элементами аналитического кубизма постепенно уступили место формированию более реалистичного собственного стиля. Полотна эпатажа Дали олицетворяли экстравагантную личность с экстравагантной индивидуальной совестью.

Поль Сезанн

Великий французский постимпрессионист, сам того не осознавая, стал источником зарождения революционного стиля авангарда. Он был первым художником, использовавшим геометрическую пропорцию объекта в картине «Пьеро и Арлекин» 1888-1890 годов. Эта техника вдохновила других художников-новаторов, что привело к расцвету кубизма.

Пит Мондриан

Как истинный поклонник «денатурализации» искусства, голландский художник выступал за отказ от естественной формы и переход к абстракции. С 1913 года картины Мондриана представляют собой композиции из горизонтальных и вертикальных линий, единство которых подразумевает баланс гармонии мироздания. Крайние пределы визуализации в творчестве кубиста впечатляли современников, что повлияло на графическую живопись будущего.

Казимир Малевич

Картины русского художника-авангардиста продемонстрировали впитывание западного влияния, соединив стили аналитического кубизма и футуризма. Направление творчества Малевича отличалось от классической живописи Пикассо и Брака геометрической округлостью и правдоподобной визуализацией образов.

Ромеро Бритто

Бразильский художник экспериментировал с элементами кубизма, граффити и поп-арта в своих работах. Работы художника представляли собой яркие композиции геометрического узора и округлости в ярких красках. Бритто определил свою работу как «визуальный язык счастья, передающий оптимизм художника в окружающий его мир».

Отрицательные характеристики французского стиля оказали фундаментальное влияние на культурное наследие человечества. Присоединяясь к другим течениям, кубизм стал основоположником появления необычных и смелых художественных жанров.

Французская форма кардинального направления кубизма завершила период своего развития после Первой мировой войны. Остатки авангардной живописи до сих пор прослеживаются в творчестве американских художников 1930-х годов — М. Рузела, Дж. Марина, Л. Фенингейла.

«Классический» период

На переход от кубизма к живописи, которая была бы более «разборчивой», повлияли как внутренние потребности Пикассо, так и внешние факторы. За это время артист сотрудничал с балетной труппой Сергея Дягилева, а также женился на Ольге Хохловой. Неудивительно, что она хотела бы узнавать себя в портретах, но желание иметь одну только жену никоим образом не повлияло бы на работы Пикассо, кроме его жажды перемен.

Портрет Ольги в кресле, 1917 г

Купальщицы, 1918 год

Картины классического периода

«Герника» (1937 г.) Холст, масло. 349 × 776

Самый узнаваемый и трагичный образ, а также самый масштабный по значению и масштабности. Известны антифашистские взгляды Пикассо, его вступление в Коммунистический Союз Франции и смелый ответ нацистам, которые пришли в его лабораторию с исследованиями и поставили там все. Один из них спросил, глядя на огромное полотно, не принадлежит ли эта работа Пикассо. На что он ответил: «Нет, это сделал».

Герника — это название города на родине художника, стертого с лица земли немецкой авиацией вместе с ее жителями. Боль, страдания, ужас войны: над этой объемной картиной Пикассо работал месяц.

Все это время его вдохновляла его новая возлюбленная Дора Маар. Он также снял на камеру весь рабочий процесс, и эти кадры разлетелись по всему миру.

Картина выставлялась в основном в Америке, только в 1981 году переехала в Мадридский музей.

Война и послевоенный период

Угроза, нависшая над Европой, а также страх войны вынудили Пикассо если не напрямую отразить настроение на холсте, то придать полотнам мрачность и трагедию. Работу послевоенного художника можно назвать счастливым: свидетельство и отсутствие темных сюжетов прослеживаются в работах художника.

«Плачущая женщина», 1937 г

«Палома с целлулоидной рыбкой», 1950 г

Военные и послевоенные картины

Каковы наиболее важные характеристики кубизма?

В кубизме не соблюдаются пропорции, органическая целостность материальных предметов. По мнению некоторых критиков, холст художника больше походил на поле битого стекла.

Кубизм считает «целостный» образ, воспринимаемый сетчаткой глаза, искусственным и условным, основанным на влиянии искусства прошлого. Кубизм отвергает эти образы и признает, что перспективное пространство — это иллюзорное и рациональное изобретение или система знаков, происходящая из искусства эпохи Возрождения.

«Сюжет, написанный по принципу кубизма, можно считать завершенным, когда исчерпаны его диссонансы» Казимир Малевич

В произведениях кубистов вместо изображения внешнего мира нам дается наш мир, аналогичный природе, но построенный на иных принципах. Кубисты стремятся воспроизводить разные точки зрения одновременно, они пытаются имитировать способность ума абстрагироваться и синтезировать различные впечатления от мира в новые целостности.

Любовь Попова, «Портрет философа», 1915 г

10 известных картин в стиле кубизма

«Авиньонские девицы» П. Пикассо

Принцип работы в стиле первых авангардистов. Используя простые геометрические формы, художник передает суть, демонстрируя взаимосвязь между фигурами, не детализируя внешний вид.

«Три музыканта в масках» П. Пикассо

Портрет в стиле синтетического кубизма. Композиция выполнена в ярких цветах и ​​четких геометрических пропорциях. Персонажи больше похожи на элементы аппликации из бумаги.

«Дома в Эстаке» Ж. Брак

Элементарное кубическое упрощение построек при соблюдении жестких геометрических узоров. Изображение написано в конструктивной цветовой гамме; визуальный объем достигается за счет красочной игры оттенков.

«Фантомас» Х. Грис

В картине использована техника создания коллажей из газетных вырезок. Полотно написано в стиле синтетического кубизма. Именно Грис первым начал использовать структурированную светимость в работах этого направления.

«Спускающаяся по лестнице обнаженная девушка» М. Дюшан

Современники характеризуют рисунок как образец общепризнанной классики модернизма. В композиции сочетаются фрагменты футуризма и кубизма в последовательном наложении орнаментов, напоминающем стробоскопический эффект.

«Натюрморт (чернильная склянка и скрипка)» Х. Грис

Картина создана личным синтетическим методом — альтернативой образному принципу кубизма. Отзыв автора работы — «Конкретизирую то, что вначале было абстрактным. Я начинаю с общей концепции, чтобы перейти к реальной теме».

«Скрипка и подсвечник» Ж. Брак

Рисунок выполнен в стиле аналитического кубизма с использованием приглушенных тонов.

«Матрос с баржи» Ф. Леже

Изображение вызывает неоднозначное впечатление хаотической абстракции, где отсутствуют внешние детали, но просматривается геометрическая взаимосвязь составляющих фигур.

«Дама в голубом» Ф. Леже

Живопись принадлежит к направлению раннего абстракционизма с переплетением элементов синтетического кубизма. Художник обращает внимание на яркий внутренний мир женщины, изображая дизайн в ярких оттенках без внешних деталей.

«Мандора» Ж. Брак

Картина является образцом раннего аналитического кубизма. Натюрморт выполнен в темных тонах. Здесь видно, что художник сознательно отказывается от цвета, делая акцент на деталях композиции.

«Старый гитарист» (1903 г.) Холст, масло. 121,3 × 82,5 см

Эта картина стала первой работой художника, приобретенной музеем. Он хранится в Чикаго с 1926 года. Пикассо написал его в возрасте 22 лет, после того как его друг застрелился из-за несчастной любви. Его можно было бы назвать «Слепым музыкантом», но художник сосредоточился на старости, где творчество — единственный выход. Он выделил инструмент другим цветом в мире грязно-голубого: оттенком, характеризующим бедность и безнадежность. Он нарисовал старика поверх другой работы — кормящей матери, очертания которой видны на холсте.

Африканский период творчества

Пикассо впервые столкнулся с архаичным африканским искусством на тематической выставке в музее Трокадеро. Его поразили примитивные языческие идолы, экзотические маски и фигурки, олицетворяющие великую силу природы и отклоняющиеся от мельчайших деталей. Идеология художника совпала с этим мощным посланием, и в результате он начал упрощать своих персонажей, делая их похожими на каменных идолов, монументальных и твердых. Однако первые работы в направлении этого стиля появились в 1906 году — это портрет писательницы Гертруды Стайн Пабло Пикассо. Он 80 раз переписывал образ и уже полностью потерял веру в возможность воплощения своего образа в классическом стиле. Этот момент по праву можно назвать переходом от следования природе к деформации формы. Вы только посмотрите на такие полотна, как «Обнаженная женщина», «Танец с вуалью», «Дриада», «Дружба», «Бюст моряка», «Автопортрет».

Но, пожалуй, самым ярким примером африканской фазы творчества Пикассо является картина «Авиньонские девы» (на фото выше), над которой мастер работал около года. Он завершил этот этап творческого пути художника и во многом определил судьбу искусства в целом. Впервые полотно было опубликовано всего через тридцать лет после написания и стало открытой дверью в мир авангарда. Богемный клуб Парижа буквально раскололся на две фракции: «за» и «против». В настоящее время картина находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Сюрреализм

Разделение творчества — это не что иное, как желание упорядочить его по полочкам и втиснуть в определенные рамки (стилистические, временные). Однако для творчества Пабло Пикассо, чьи знаменитые картины украшают лучшие музеи и галереи мира, такой подход можно назвать весьма условным. Если проследить хронологию, период, когда художник был близок к сюрреализму, приходится на 1925-1932 годы. Неудивительно, что на всех этапах творчества художника к мастеру приходила муза, и когда О. Хохлова захотела узнать себя в его полотнах, она обратилась к неоклассицизму. Однако творческие люди непостоянны, и вскоре в жизнь Пикассо вошла молодая и очень красивая Мария Тереза ​​Вальтер, которой на момент знакомства было всего 17 лет. Ей суждено было сыграть любовницу, и в 1930 году художник купил замок в Нормандии, который стал ее домом и мастерской. Мария Тереза ​​была верным спутником, стойко переносила творческие и любовные броски создателя, поддерживая товарищеский матч до смерти Пабло Пикассо. Работы сюрреалистов: «Танец», «Женщина в кресле» (на фото ниже), «Купальщица», «Обнаженная на пляже», «Мечта» и т.д.

Обнаженная, зеленые листья и бюст (1932)

Обнаженная натура, зеленые листья и бюст (обнаженная, зеленые листья и бюст) — часть серии сюрреалистических полотен 1932 года, в которых Пабло Пикассо с его врожденной изобретательностью преобразил свою новую возлюбленную Марию-Терезу Вальтер (возможно, придав ей вид мифическая Дафна).

«Обнаженная, зеленые листья и бюст» изображает Мари-Терезу, спящую рядом с бюстом, созданным ею Пикассо. В 1936 году полотно было куплено нью-йоркским дилером Полом Розенбергом, после чего в 1951 году оно было продано в частном порядке американскому разработчику Сидни Ф. Броуди.

После смерти Броуди картина была продана на аукционе Christie’s в марте 2010 года, а затем продана неизвестному коллекционеру за 106 482 500 долларов (включая премиальных аукционистов), что сделало ее самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным на аукционе в Великобритании.