Русская живопись XVIII века: новые стили и жанры, Академия художеств и первые картинные галереи

Европейские пенсионеры и иностранные учителя

При Петре I на учебу за границу отправляли людей разных профессий, в том числе художников. Те, кто получал знания за счет государства, назывались пенсионерами (от слова «пенсия» — содержание на время учебы). Среди первых художников, уехавших за границу в 1715 году, были Иван Никитин и Андрей Матвеев. Никитин учился в Италии и, вернувшись в Россию, работал при царском дворе. Считается одним из основоположников русской портретной школы. Андрей Матвеев учился в Нидерландах, позже создал первый автопортрет в истории русской живописи.

За рубежом русские художники погрузились в европейскую культурную среду. Они знали направления, давно сложившиеся в искусстве законодателя моды Франции, национальной живописи Англии, наследника Возрождения Италии и Голландии. В манере письма нашли отражение популярные европейские стили: маньеризм, барокко, рококо, классицизм. Однако художникам удалось сохранить характерные черты, присущие русскому искусству. Так, до середины XVIII века даже на полотнах в стиле вычурного барокко и рококо были заметны элементы аскетической парсуны.

В творчестве художника часто проявлялись особенности разных стилей. Это было связано с тем, что в Европе русские мастера сразу узнали мотивы барокко и зарождающуюся сентиментальность.

Пока русские художники учились за границей, иностранных художников приглашали ко двору. Они расписывали холсты на заказ и набирали местных студентов. Одними из первых в Россию в начале 18 века приехали француз Луи Каравак и немец Иоганн Готфрид Таннауэр. Во времена Элизабетты братья Грут и итальянец Пьетро Ротари играли важную роль в искусстве. Для обозначения произведений зарубежных художников в России XVIII века даже появился специальный термин — россика.

Г. Мясоедов «Чтение Манифеста 19 февраля 1861 года» (1873)

Г. Мясоедов «Чтение манифеста 19 февраля 1861 г»

Картина посвящена теме крестьян после отмены крепостного права. Выражено неоднозначное отношение крестьян к Манифесту. Разочарование чувствуется в выражении лиц и поз крестьян, слушающих плакат: владельцы сохраняют некоторые из своих давних привилегий. Крестьяне не получают особого энтузиазма от того, что они слышат, но .. русский крестьянин терпелив.

Художник рисует каждого персонажа на переднем плане. Нить света освещает крестьян вокруг мальчика, читающего Манифест. Лица и фигуры героев реалистичны и красочны.

Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе» (1871)

Н. Ге «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе»

Впервые эта картина была выставлена ​​на передвижной выставке в 1871 году. Вернемся еще раз к воспоминаниям художника. В 1892 году он написал в своих «Записках»: «Две картины:« Петр I с цесаревичем Алексеем »и« Екатерина II на похоронах императрицы Елизаветы »- они мучили меня. Исторические картины писать сложно, те, которые не прошли бы к историческому жанру.Мы должны провести много исследований, потому что люди в своей социальной борьбе далеки от идеала. При написании картины «Петр I и цесаревич Алексей» я почувствовал симпатию к Петру, но затем, изучив множество документов, Я видел, что сочувствия быть не может. Я воспламенил в себе сочувствие к Питеру, сказал, что его общественные интересы выше чувств отца, и это оправдало его жестокость, но убило идеал…».

Психология также занимает первое место в этой картине. Драма столкновения двух противоположных личностей (пусть и связанных) и жизненных ценностей. Известно, что цесаревич Алексей был образованным человеком, знавшим несколько иностранных языков. Обычно пишут, что он был против реформ отца. В этом можно сомневаться, потому что Алексей был слишком умен, чтобы не понимать их необходимости. Но он не мог смириться с деспотическими и суровыми формами правления своего отца и бежал на Запад, откуда был возвращен и замучен до смерти под пытками в Петропавловской крепости с ведома и приказа Петра. Это сильное эмоциональное напряжение чувствуется на фото, хотя внешне герои спокойны. В персонажах сосредоточен весь накал страстей и эмоций, и зрители это чувствуют.

Работы художника были встречены с большим интересом и вызвали споры, обсуждая позицию автора и отношение Петра I к своему сыну.

Полотно сразу было приобретено П.М. Третьяковым. Н. Н. Ге в следующем году повторил свою картину, которая находится в Государственном Русском музее.

И. Левитан «Владимирка» (1892)

И. Левитан «Владимирка»

Казалось бы, какое отношение к истории может иметь простой сельский пейзаж, учителем которого был Левитан? Действительно, Владимирка — это начальный этап нелегкого труда, через который заключенные в цепях прошли до пересыльной тюрьмы во Владимире, а затем — до дороги в Сибирь. Владимирка — это в просторечии назывался Владимирский участок, грунтовая дорога из Москвы на восток в сторону Владимира, известная тем, что с 18 века ссыльных в Сибирь отправляли пешком по ней в пешеходном порядке. В конце 19 века, когда картина была написана, заключенных уже отправляли поездами. Кажется, что атмосфера картины совершенно безнадежная: грязная и разбитая дорога, низкие и свинцовые тучи, бесконечная и печальная Россия. Низкий горизонт подчеркивает бесконечность пути… Но надежда есть. И это впечатление усиливается маленькой церквушкой вдали и пустотой на горизонте.

И. Левитан подарил эту картину Третьяковской галерее.

Пейзаж (фр. Paysage, от pays — местность)

В этом жанре приоритетным является изображение природной или рукотворной среды: природных уголков, типов городов, деревень, памятников и т.д. В зависимости от выбранного объекта различают пейзажи природные, индустриальные, морские, сельские, лирические и др.

Самые ранние пейзажи древних художников были обнаружены в наскальном искусстве эпохи неолита и представляли собой изображения деревьев, рек или озер. Впоследствии природный мотив был использован для украшения дома. В средние века пейзаж практически полностью сменился религиозной тематикой, а в эпоху Возрождения, наоборот, установились гармоничные отношения между человеком и природой.

В России пейзажная живопись развивалась с 18 века и изначально ограничивалась классицизмом (например, Н. Крымов и К. Крыжицкий создавали пейзажи в этом стиле), но позже целая плеяда талантливых русских художников обогатила этот жанр техниками из разных стран стили и направления. И. Левитан создал так называемый неприметный пейзаж, то есть вместо того, чтобы гнаться за захватывающими видами, он изобразил самые сокровенные моменты русской природы. А. Саврасов и И. Бродский придумали лирический пейзаж, поражавший тонко переданной атмосферой.

Для М. Клодта и Н. Дубовского это эпический пейзаж, когда зрителю передается все величие окружающего мира. В. Борисов-Мусатов бесконечно обращался к старине, Э. Волков умел превратить любой сдержанный пейзаж в поэтический образ, А. Куинджи поражал зрителя своим чудесным светом в пейзажах, Ю. Клевер мог бесконечно любоваться уголками леса, парками, закатами и передать эту любовь зрителю.

Каждый из пейзажистов делал акцент на таком пейзаже, который его особенно увлекал. Многие художники не могли отойти от масштабных строительных проектов и написали множество промышленных и городских пейзажей. Среди них работы А. Куприна, Г. Нисы, В. Степановой, А. Экстер, М. Якунчиковой, Н. Чернецова и других художников. П. Петровичев увлекался памятниками, а В. Кандинский часто изображал архитектурный пейзаж. И. Айвазовский и Л. Лагорио с детства болели морской болезнью, поэтому работа с морским пейзажем стала их основным призванием.

Примеры картин известных русских художников в жанре пейзажа

Эпический пейзаж М. Клодта «Вдали от леса в полдень». 1876 ​​г.

Поэтический пейзаж Е. Волкова. «Пруд зарос». 1880 г

Индустриальный пейзаж Г. Нисы «Осень. Светофор «. 1932 г.

Городской пейзаж В. Кандинского «Москва. Красная площадь ». 1916 гр.

Морской пейзаж Л. Лагорио «Корабли в спокойном море». 1886 гр.

Портрет (фр portrait — изображение)

Этот жанр подразумевает изображение внешнего или внутреннего облика одного или нескольких людей. То есть это не только повторение форм и линий той или иной фигуры, но и идейно-художественная работа над внутренним миром человека. Сам термин «портрет» изначально применялся к любому объекту, который можно было изобразить, пока в 17 веке он не применялся только к одному человеку.

В Древнем Египте портреты (изначально скульптурные) создавались только для того, чтобы душа умершего, вернувшегося после суда, могла найти погребенное тело и поселиться в его мумии (скульптуре). С X-XII веков портрет использовался для надгробий, чеканился на монетах, изображался в книгах. Чаще всего эту награду получали знатные люди. Расцвет жанра начался с эпохи Возрождения, когда человеку отводилась особая роль в мире. В России портретный жанр развивался в средние века, и первые портреты относятся к XI-XIII векам.

Портреты делятся на парадные и камерные. В первом художник должен превозносить важную персону, ведь он обычно изображается в праздничной одежде в роскошных интерьерах или пейзажах в полный рост. Во-вторых, фон менее пышный, а сам человек изображен только до плеч, груди или талии. Парадные портреты создавали, например, Б. Кустодиев, В. Боровиковский, О. Кипренский и А. Харламов, П. Челищев, А. Самохвалов, А. Яковлев и другие работали с камерной версией.

Кроме того, стоит выделить миниатюрные портреты, которые помещали в медальоны, носили в футлярах или табакерках. В. Боровиковский был одним из виртуозов этого жанра. А также жанр автопортрета, когда художник изобразил себя. Такой образ во многом позволяет понять мировоззрение художника, его видение самого себя. Большинство мастеров хотя бы раз написали автопортреты, а некоторые создали их десятки (например, В. Попков).

С развитием авангарда жанр портрета также претерпел коренные изменения. Вместо классических вариантов — фрагментарные кубофутуристические портреты Ю. Анненкова, А. Богомазова, Н. Гончаровой, А. Лентулова, модернистские портреты Б. Григорьева, яркие импрессионистические картины К. Коровина и А. Архипова, орфические версии. С. Делоне, скульптурная живопись В. Ермилова и многие другие.

Бытовая (жанровая) живопись

Повседневная жизнь тревожила людей с давних времен. Первые сцены повседневной жизни были изображены на стенах погребальных камер в Древнем Египте, а затем проникли во все области искусства. Наблюдавшие за художниками рисовали на вазах, в рукописях, на стенах домов те сцены, которые их особенно волновали. Это были эпизоды работы, сцены выступлений актеров, развлечения или жизненные трудности.

Отечественная живопись как самостоятельный жанр возникла только в XVI-XV вв., Когда художники сначала объединили религиозные картины с бытовыми сценами, а затем стали изображать их отдельно. Но настоящее распространение этого жанра в мире произошло только в XVII веке, хотя многие школы относили его к низшим жанрам и не считали достойным своего внимания.

В России жанровая живопись процветала только в 19 веке, когда острые социальные проблемы стали вызывать у художников особую озабоченность. С помощью картин они пытались привлечь внимание значительной части населения к этим проблемам. Итак, для В. Перова и И. Репина это проблемы долга, совести, чести, для Э. Булатова это острая проблема советского человека, который вынужден везде натыкаться на границы и границы, — поднял вопрос И. Кабаков жизненные проблемы советских людей.

Жанровые картины создавались также для демонстрации достижений людей, мотивации их к новой работе, армии, спорту и другим начинаниям. Это работы А. Дейнеки о производстве, спорте и авиации, индустриальные пейзажи Ю. Пименова, картины в «суровом стиле» В. Попкова, сцены из жизни советских людей А. Моргунова, сцены противостояния с врагом в произведениях С. Герасимова и др.

Часто художники изображали именно то, что видели, знакомили с традициями разных народов и сословий, давая возможность зрителю получить собственные впечатления от увиденного и сделать выводы. Таковы сцены из трудовой жизни крестьян и богатых людей С. Виноградова, из жизни простого народа М. Нестерова, таковы прекрасные восточные традиции в картинах А. Волкова, русские народные традиции в картины К. Юона или цирковые сцены в картинах М. Шагала.

Примеры картин известных русских художников в бытовом жанре

Картина В. Перова «Тре». 1866 г.

Картина Э. Булатова «Горизонт». 1971-1972 гг

Инсталляция Я и Э. Кабакова «Туалет». 1992 год

Картина С. Виноградова «Женщины (подруги)». 1893 гр.

Суриков и его «Боярыня Морозова»

Исторические картины Сурикова — это всегда больше, чем просто сюжет, художественно исполненный на холсте. Знаменитая «Боярыня Морозова», в отличие от «земства» Мясоедова, демонстрирует не столько различие свойств, сколько единство простых людей.

Главная героиня изображена в мехах и цепях, она приведена на казнь. Но сколько гордости и непослушания в его взгляде! Какая симпатия в глазах простых людей! Несмотря на всю разницу в состоянии поместья, сейчас, в данный момент, я едина. Дворянка не отказалась от веры, значит, и от народа. Он скоро умрет, но никто не может сломать его жизненные ценности. Обычные люди ее уважают и видят, как сани едут.

Исторические картины Сурикова всегда наполнены драматизмом и непоколебимой верой. Яркие цвета добавляют произведениям оптимизма, поэтому они не воспринимаются угнетающе.

В. Суриков «Меншиков в Березове» (1883)

В. Суриков «Меньшиков в Березово»

Пожалуй, это одна из самых известных картин В. Сурикова. Изображение действительно производит сильное впечатление и привлекает внимание зрителя внутренней силой персонажей. Особенно это касается фигуры А. Меньшикова. Мы знаем из истории, что спутник Петра Великого когда-то был всемогущим — и вот он, старый, но не сломленный, сидит в тесной темной избе. Волосы растрепанные, подбородок не бритый, но все та же гордая осанка и сила духа. Рядом с ним трое его детей. Перед нами настоящий шекспировский сюжет. Или русская пословица, что без стипендии и тюрьмы не обойтись. История здесь показана в движении.

Ню (фр nudite — нагота, сокращенно nu)

Этот жанр призван представить красоту обнаженного тела и появился еще до нашей эры. В древнем мире физическому развитию уделялось большое внимание, поскольку от него зависело выживание всего человечества. Так, в Древней Греции спортсмены традиционно соревновались обнаженными, чтобы мальчики и молодые люди могли видеть свои развитые тела и стремиться к такому же физическому совершенству. Примерно в VII-VI вв. ДО ХРИСТА Н.С появились обнаженные мужские статуи, олицетворяющие физическую силу мужчины. А женские фигуры всегда появлялись перед публикой в ​​платьях, так как не было принято показывать женское тело.

Позже отношение к обнаженным телам изменилось. Таким образом, во времена эллинизма (с конца VI века до нашей эры) сопротивление отошло на второй план, уступив место восхищению мужской фигурой. Тогда же стали появляться первые женские обнаженные фигуры. В эпоху барокко женщины с пышными формами считались идеалом, в эпоху рококо чувственность стала основополагающей, а в 19-20 веках картины или скульптуры с обнаженными телами (особенно мужскими) часто были запрещены.

Русские художники неоднократно обращались к жанру ню в своих работах. Так, для Л. Бакста это танцовщицы с театральной атрибутикой, для В. Баранова-Россине — девушки или женщины, позирующие в центре монументальных сюжетов. У Т. Лемпицки много чувственных женщин, даже в парах, у А. Кравченко — целая серия картин, изображающих обнаженных женщин в разной деятельности, у В. Рохлиной — девушки, полные невинности. Некоторые, например, К. Сомов изображали полностью обнаженных мужчин, хотя такие изображения не приветствовались обществом того времени.

Примеры картин известных русских художников в жанре ню

Картина Л. Бакста «Танцовщица в костюме». Около 1900 г

Картина В. Баранова-Россине «Апокалипсис». 1912-1913 гг

Картина Т. Лемпицки «Две обнаженные девушки». 1930 гр.

Картина А. Кравченко «Обнаженная». 1919 гр.

Картина В. Н. Рохлиной «Обнаженная. Портрет З. Серебряковой »1930-е гг

Натюрморт (фр nature — природа и morte — мертвая)

Такой вид живописи ассоциируется с изображением неодушевленных предметов. Это могут быть цветы, фрукты, посуда, дичь, кухонная утварь и другие предметы, из которых художник часто составляет композицию по своему замыслу.

Первые натюрморты появились еще в древних странах. В Древнем Египте было принято представлять подношения богам в виде различных блюд. В то же время на первом месте стояло распознавание сюжета, поэтому древние художники не особо интересовались светотенью или фактурой натюрмортных предметов. В Древней Греции и Риме цветы и фрукты находили на картинах и в домах для украшения интерьеров, чтобы они были изображены более аутентично и живописно. Становление и расцвет этого жанра приходится на 16-17 веков, когда натюрморты стали содержать религиозные и другие скрытые смыслы. При этом появилось их множество разновидностей в зависимости от тематики изображения (цветочные, фруктовые, научные и т.д.).

В России натюрморт процветал только в 20 веке, так как раньше он использовался в основном в образовательных целях. Но это развитие было быстрым и охватило многие стили, в том числе абстракционизм со всеми его направлениями. Например, А. Арапов создавал красивые цветочные композиции в стиле импрессионизма, Л. Попова отдавала предпочтение кубофутуризму, М. Ларионов работал в стиле примитивизма и часто «оживлял» натюрморты, создавая у зрителя впечатление, что посуда собирались упасть со стола, иначе все предметы начнут вращаться.

Объекты, изображенные художниками, безусловно, находились под влиянием их теоретического видения или мировоззрения, настроения. Так, в произведениях К. Петрова-Водкина это были предметы, изображенные по открытому им принципу сферической перспективы, а экспрессионистские натюрморты Х. Сутина поражали своей драматичностью.

Многие русские художники использовали натюрморты в основном в образовательных целях. Так, И. Грабарь не только оттачивал свои художественные способности, но и проводил множество экспериментов, по-разному расставляя предметы, работая со светом и цветом. И. Машков экспериментировал с формой и цветом линии, то переходя от реализма к чистому примитивизму, затем смешивая оба стиля.

Некоторые художники соединили в натюрмортах то, что раньше изображали, и свои любимые вещи. Например, в картинах П. Кузнецова можно найти его любимую вазу, записки и портрет жены, которые он создал ранее, а Н. Сапунов нарисовал цветы, которые любил с детства.

В этом же жанре работали многие другие русские художники, например, Н. Богданов-Бельский, Н. Сталь, Р. Фальк, А. Явленский, В. Шухаев и другие.

Примеры картин известных русских художников в жанре натюрморта

Картина А. Арапова «Натюрморт с иконой». 1920-1930 гг

Картина М. Ларионова «Натюрморт с кувшином и иконой». 1910-1912 гг

Картина К. Петрова-Водкина «Натюрморт. Яблоки и яйца ». 1921 г.

Картина И. Машкова «Натюрморт с фруктами». 1910 гр.

Кризис батальной живописи

П. Кривоногов, «На Курской дуге» (фрагмент изображения)
Дальнейшее развитие батальной живописи в двадцатом веке означало продолжающееся исчезновение великого жанра, созданного тремя веками ранее. Социалистический реализм, провозглашенный в СССР единственно правильным стилем, конечно, назывался «реализмом», но по сути он был прямым наследником разъездной школы, писательский стиль которой был далек от истинно реалистической академической живописи. Работы А. Блинкова, П. Кривоногова, В. Памфилова, П. Соколова-Скаля вряд ли прошли бы отбор на конкурс Императорской Академии художеств. ХХ век.
В результате на рубеже веков батальная живопись превратилась в нечто вроде элемента визуального волнения. Многие художники вместо картин писали панорамы и диорамы для музейных выставок, а те, кто оставался верным станковой живописи, в большинстве своем выполняли заказы советских ведомств. Их работы висели в коридорах министерств и ведомств, в официальных кругах и были мало известны широкой публике.

В. Верещагин «Мир во что бы то ни стало. Наполеон и генерал-адъютант Лористон» (1899—1900)

В. Верещагин «Мир любой ценой. Наполеон и генерал-адъютант Лористон»

Это изображение из серии, посвященной Отечественной войне 1812 года. Наполеон, оккупировав Москву, надеялся, что Александр I примет его мирные предложения, объявленные месяц назад в Смоленске. Наполеон видит, что его армия разваливается, что в России идет народная война, что впереди холода и ненастья… Наполеону нужен мир любой ценой. 23 сентября он послал своего генерал-адъютанта Лористона к Кутузову, находившемуся в то время в Тарутино, с предложением о мирных переговорах. Кутузов принимает «Лористон», но заявляет, что мирных переговоров быть не может: «У меня нет на это указаний; когда меня отправили в армию, и имя мира никогда не упоминалось. Однако все эти слова, которые я слышал от вас, независимо от того, исходят ли они из моего суждения или имеют источник свыше, я ни в коем случае не хочу передавать моему императору. Я покорился бы проклятию потомков, если бы они думали, что я послужил поводом для примирения; это образ мышления нашего народа в данный момент».

На лице Наполеона мы не видим его привычной самооценки и превосходства: это лицо уставшего человека, надеющегося на положительный исход переговоров.

Исторические сюжеты в картинах Г. Мясоедова

В творчестве Мясоедова представлены исторические и бытовые образы. Свою любовь к блудным предметам он обнаружил еще в Академии художеств, где получил золотую медаль и признание своего таланта за диссертацию.

Многие узнают Мясоедова по картине «Земство обедает». Это произведение искусства стало одним из самых значительных в его творчестве. Темное по цветам, но удивительно яркое по эмоциям полотно захватывает душу и не дает оторвать глаз от себя. Художник показывает разницу между социальными слоями: крестьяне, пришедшие поклониться земству, вынуждены смиренно ждать, пока управленцы обедают. Хотя герои образа вполне могут быть представителями самоуправления, чувствуя себя неуютно за одним столом с дворянством, они ютятся у дверей и не решаются есть рядом с ними.

На фоне нищеты и угнетения крестьянства официант у окна земства кажется особенно циничным. Исторические события картины обсуждали многие писатели и художники, это было принято однозначно, кто-то пытался имитировать хищнический стиль, но именно это полотно осталось качественной исторической особенностью прошлого.

Новые жанры. От портрета — к городскому пейзажу

В русскую живопись хлынул поток новых идей: художественные приемы и приемы цвета, работа с композицией и новые жанры. В книге «История русского искусства» Игорь Грабарь писал: «Мы можем только с уверенностью сказать, что одним из главных факторов, решивших судьбу русской живописи, было появление портрета». Новый жанр был связан с живописью парсуна, получившей распространение в 17 веке. Парсуна (от искаженного «персона») условно называлась портретом, в котором наряду с традиционными иконографическими чертами стали проявляться более реалистичные мотивы. Художники, ранее писавшие иконы, начали обращаться к человеку и его внутреннему миру. Цвета стали ярче, а сюжеты светскими. В XVIII веке, называвшемся «веком портретов», появилось множество вариаций этого жанра: роскошный обряд, автопортрет и изображение двух людей на холсте одновременно.

С 1740 года скромный камерный портрет стал более популярным. Известными портретистами были Алексей Антропов и Иван Аргунов. Аргунов стал одним из первых блестящих художников, прославившихся как живописец и сумевших основать художественную династию. Его двоюродный брат и оба сына стали архитекторами и художниками.

В 18 веке развивался не только жанр портрета. Григорий Теплов написал первый натюрморт. Антон Лосенко создал первую картину в историческом жанре. Его начинания продолжили ученики: Петр Соколов, Григорий Угрюмов и Иван Пучинов. Отечественная живопись стала заметным явлением благодаря работе бывшего слуги Михаила Шибанова. Иван Ерменев писал полотна о жизни русских крестьян. Он был сыном жениха, окончил Академию художеств, учился в Париже. Целая серия «Нищих» принадлежала кисти Ерменева».

Еще одним нововведением 18 века стало изображение природы и романтики города. Основоположник пейзажного жанра — Семен Щедрин, городского пейзажа — художник Федор Алексеев.

В. Перов «Суд Пугачева» (1875)

В. Перов «Процесс Пугачева»

В начале 1870-х годов В. Перов искал новую тему для серьезной работы. В 1872 году он написал портрет В. Даля, которого сопровождал А.С. Пушкин в поездке в Оренбург, когда тот собирал материал для «Повести Пугачева», и вполне возможно, что именно В. Даль подтолкнул художник к этому сюжету. Изначально Перов задумал серию из трех картин о Пугачеве, но работа остановилась только на одной из них.

Изображение явно имеет антиугачевское значение. Он даже вызывает ужас перед лицом всего изображенного: в центре изображения человек, склонившийся к ногам Пугачева, и труп убитой жертвы. Чуть левее помещик со связанными руками, калмык которого пытается схватить его за шиворот. Возможно, он отказывается признавать в Пугачеве царя Петра III, и именно ему суждены изображенные слева виселицы…

Пугачев в красном кафтане сидит на крыльце в окружении своих сообщников. Лицо у него не очень выразительное — видимо, художник не ставил перед собой задачу показать чувства и мысли Пугачева, либо ему просто не удалось — образ остался незавершенным… Но ему удалось передать атмосферу полной незаконности и произвола, непосредственности восстание. Я помню слова Пушкина: «Не дай бог увидеть русский бунт, бессмысленный и беспощадный!»

И. Крамской. Серия портретов Александра III

И. Крамской — известный русский портретист. Создал портретную галерею выдающихся личностей своего времени, в том числе писателей Л. Толстого, А. Грибоедова, Н. Некрасова, М. Салтыкова-Щедрина и других.

Возможно, в Александре III И. Крамской видел, помимо императора, товарища по живописи — известно, что Александр III любил рисовать и сам хорошо рисовал. Сохранились акварели, написанные его рукой, например такая: «Морской пейзаж».

Александр III «Морской пейзаж»

Кроме того, Александр III собирал картины русских художников, в том числе передвижников. В его коллекции также были работы И. Крамского. Эта коллекция впоследствии легла в основу Русского музея императора Александра III (ныне Государственный Русский музей), который был открыт в 1898 году в Михайловском дворце после смерти императора. Подробнее о музее на нашем сайте: Государственный Русский музей: история создания .

Крамской создал несколько картин, посвященных коронации императора и императрицы: «Причастие Святых Тайн Императора», «Коронация императора Александра III в Успенском соборе Московского Кремля 15 мая 1883 года», «Церковь коронация Императрицы Марии Федоровны в Успенском соборе Московского Кремля »,« Вручение императору Его Императорским Высочеством атаманов всех казачьих войск, военных заместителей».

И. Крамской «Вручение императору Его Императорским Высочеством атаманов всех казачьих войск, военных заместителей».

Портрет императора стал одной из последних работ художника. Заказчиком полотна стал А.А. Половцов — член Госсовета, меценат, почетный член Императорской Академии художеств, вложил много сил и собственных средств в развитие национальной культуры и искусства. После смерти царя А.А. Половцова он передал ее в дар Музею императора Александра III.

И. Крамской «Император Александр III»

Портрет создает объемный и пластичный образ императора, его невидимой доброты и покоя. Действительно, особенностью правления Александра III было отсутствие войн. За свою внешнюю политику он получил прозвище «миротворец». В 1893 году Александр III подписал франко-российскую военную конвенцию, тем самым защитив Россию от растущей агрессии Германии.

И. Айвазовский «Чесменский бой» (1848)

И. Айвазовский «Чесменская битва»

Чесменская битва — одна из самых героических страниц в истории русского флота. Айвазовский не был (и не мог быть) свидетелем события, произошедшего в ночь на 26 июня 1770 года. Но он очень убедительно и достоверно изобразил образ морского сражения. Корабли взрываются и горят, к небу летят обломки деревьев, поднимается пламя, и темно-серый дым смешивается с облаками, сквозь которые луна наблюдает за происходящим. Но, похоже, он присутствовал во время сражения, в котором русские моряки одержали блестящую победу.

На снимке изображен эпизод русско-турецкой войны 1768–1774 годов. На протяжении десятилетий Россия вела войны с Турцией за владение Черным и Средиземным морями. Две русские эскадры, вышедшие из Кронштадта, после долгого перехода через Балтику, пересекли Ла-Манш, обогнули побережья Франции и Португалии, миновали Гибралтар и вошли в Средиземное море. Здесь они встретились с турецким флотом, тогда считавшимся сильнейшим в мире. После нескольких военных столкновений запаниковавший турецкий плот укрылся в Чесменском заливе. Русские корабли перекрыли выход из бухты и в ночном бою сожгли и почти полностью уничтожили турецкий флот. 11 моряков погибли с российской стороны, 10 тысяч — с турецкой.

Чесменская колонна в Царском Селе

Это была беспрецедентная победа в истории морских сражений. В память о ней была ликвидирована медаль, командовавший эскадронами граф Алексей Орлов получил титул Чесменского, а в Царском Селе Екатерина II приказала поставить памятник этому сражению — Чесменскую колонну. Он до сих пор стоит посреди Большого пруда. Его мраморный ствол завершает аллегорическая скульптура: двуглавый орел разбивает мраморный полумесяц.

В. Суриков «Переход Суворова через Альпы в 1799 году» (1899)

В. Суриков «Переход через Суворовские Альпы»

В.И.Суриков обладал невероятным талантом показывать подвиг народа и полководца народа. Хотя Суворов шутит один на коне, а остальные — пешком, он неотделим от людей. На фото много персонажей, все они разные, но всех объединяет одно общее. Спуск очень сложный, но группа солдат, движущаяся по скользкой скале, превращается в лавину, с которой противник вынужден бороться.

Мастер батальной живописи В. Верещагин критиковал Сурикова за ошибки. По его словам, лошадь не будет спокойно прыгать перед пропастью. Но Суриков ответил, что «ему нужно отойти от прямой фактологии во имя художественной правды, которая« выше правды жизни »: штыки, чтобы подчеркнуть и усилить впечатление падения в бездну, гарцующий конь, чтобы привлечь внимание фигура полководца».

Никогда ещё война не была нарисована с таким натурализмом

Примем факт: художники хотели писать «по-новому». Оставалось дождаться появления звезд в жанре батальной живописи, задающих новые художественные стандарты. Первым из них был Василий Верещагин. Он получил военное образование, которое, возможно, избавило художника от ошибок его последователей, а затем изучал искусство в Санкт-Петербурге и Париже.
В 1867 году Верещагин получил приглашение стать официальным художником Туркестанского генерал-губернаторства и отправился в Среднюю Азию, которая стала темой его самых известных батальных картин. Затем Верещагин принял участие в русско-турецкой войне, создав «Балканскую серию», а в конце жизни создал серию произведений, посвященных Отечественной войне 1812 года.
Реализм в творчестве Верещагина настолько потряс публику, что во время выставки его картин в Берлине немецкое военное командование категорически отговаривало офицеров от поездки туда.
(«После фортуны» и «После неудачи» — картины В. Верещагина из «Туркестанской серии»)
В России Верещагин издавна считался тенденциозным и «плохим» художником, разрушающим патриотические настроения и подрывающим боевой дух. Подобные обвинения привели к тому, что художник уничтожил несколько работ, которые казались публике самыми мрачными и неприятными.
(«Ночевка Великой Армии», В. Верещагин)
Даже в позднем «наполеоновском» сериале Верещагин не отступил от традиций натурализма. Несмотря на тщательно прописанные детали военной формы, война там представляется крайне неприятным зрелищем. Основное внимание уделяется пожарам, грабежам, отступлению Великой Армии по дороге смерти. Такой войны зритель еще не видел. Даже картина «Конец Бородинского сражения» — не что иное, как торжество смерти среди груды трупов французских солдат, погибших в битве за батарею Раевского.

Художник от слова «худо»

В это время заказчики редко пренебрегают исторической достоверностью, из-за чего на картинах последних десятилетий ХХ века много ошибок в военной форме, боеприпасах, оружии и снаряжении.
То, что раньше считалось бы непрофессиональным, из-за чего художник пару веков назад потерял бы клиентов, стало приемлемым и даже нормальным.
Дно было достигнуто в творчестве Сергея Герасимова, ласково отнесенного властями, получившего всевозможные титулы и награды, но при этом создавшего картины на батальную тематику, на которые невозможно смотреть без фантасмагорического сочетания ужаса и смеха. Обратите внимание на прибытие Кутузова в Царево-Займище, где русского командира в сюртуке, одетом в мантию, встречают неизвестные солдаты, одетые в пурпурную форму, которая, как предполагается, представляет российских солдат.
(«Приезд Кутузова в Царево-Займище», художник — С. Герасимов)
А ведь все ее фото абсолютно одинаковые. Почему это было сделано? А все потому, что никто даже не подумал спросить о надежности художника. Правильно ли показан исторический момент идеологически? Все понятно: отличная картина, сразу на выставку!

И. Репин «Арест пропагандиста» (1880-1889)

И. Репин «Арест пропагандиста»

И. Репин был первым художником, который обратился к теме народничества, пытаясь показать взрывную силу этого движения. Революционеры «Народной воли» предстают на полотнах Репина борцами, но при этом очевидно их внутреннее одиночество: уйдя «в народ», они не почувствовали поддержки тех, на кого работали — русские крестьяне были равнодушны к ним пропаганда. Иногда они сами выдавали властям таких пропагандистов… Очевидно, такой момент артист запечатлел.

Картина была задумана под впечатлением политического «Процесса 93 года», происходившего в Санкт-Петербурге в 1878 году».