Сюрреализм в искусстве: место в истории и картины известных художников

Техники и философия

Художники изобрели методы получения фантастических образов, в которых переплетаются реальность и вымысел, галлюцинации и сон.

Текстурирование

Техника создания изображения путем размещения листа бумаги на неровной или зернистой поверхности. Например, дерево или камень. Карандашом или мелом обрабатываем бумагу так, чтобы она приобрела консистенцию материала, из которого сделана подложка.

Декалькомания

Метод в искусстве, при котором краска распыляется на бумагу или наносится большой кистью. Пока он еще не высох, его накрывают еще одним листом бумаги. Натирая поверхность о поверхность, художнику удается создавать необычные образы.

Соскабливание

Техника создания определенных эффектов путем размещения окрашенного холста на текстурированной поверхности и обработки его соскабливанием. Краска частично удаляется с поверхности, и окрашенная часть приобретает необычный и фактурный вид.

Фьюмаж

Свечу, образованную в конце 1930-х годов, помещали под лист бумаги, чтобы на поверхности оставались следы сажи. Перемещайте свечи в разнообразных причудливых узорах.

Капельный метод в искусстве

Краска наносится на холст отдельными каплями, которые падают с качающегося предмета.

Коллаж

Техника создания коллажей предполагает создание картин или графических полотен путем сбора фактуры из разных частей других изображений, вырезок из газет, журналов, рисунков, фотографий. Эти элементы располагаются и склеиваются согласно первоначальной задумке, создавая новую целостную композицию.

Чертеж

Автоматический рисунок выполняется пером или кистью: линии рисуются без определенного плана и правил.

Работы в стиле сюрреализма называют абсурдными, лишенными логики, полными противоречий. Художники, работавшие в этом стиле, начали художественную революцию сознания и восприятия. Они считали, что только искусство может освободить разум человека.

Сальвадор Дали «Постоянство памяти»

Постоянство памяти, 1934 год, Сальвадор Дали. Находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке

«Постоянство памяти» Сальвадора Дали показывает, что годы плодотворной работы не всегда необходимы для создания шедевра: Дали потребовалось всего два часа. Когда его жена Гала увидела фотографию, она сказала: «Тот, кто хоть раз видел ее, никогда ее не забудет».

В шутку Дали назвал свою работу «Камамбер того времени», сказав, что он решил нарисовать картину, когда увидел, как сыр тает на солнце, который он и Гала не закончили за ужином.

Произведение составлено из символов: три сливающихся квадранта — отказ от линейности времени, разделенного на прошлое, настоящее и будущее; спящее животное на переднем плане — автопортрет в профиль; муравьи на оранжевых часах — символ разложения и разложения; скалы вдалеке — отсылка к родной Каталонии художника; Любимое яйцо, которое Дали использовал в творческой карьере, — это жизнь. Везде сосуществуют реальность и мечта: сухое дерево и тающие часы, море и огромное прямоугольное зеркало, муха и ее гуманоидная тень. Художник стремился показать, что реальность и наши представления о ней переплетаются в человеческом восприятии.

Многие предполагали, что в «Постоянстве времени» Дали был основан на теории относительности Эйнштейна, показывающей взаимосвязь и изменчивость пространства и времени. Однако тот же художник утверждал, что его вдохновил древнегреческий философ Гераклит, который утверждал, что «невозможно войти в одну и ту же реку дважды», потому что все изменчиво: река сейчас и река через полчаса — это две вещи. разные реки, а не как нам может показаться.

Лесли Баллевег

Дети в живописи, сюрреализм. Как художник-концептуалист-фигуралист Лесли Боллвег стремится изобразить людей и сцены, в которых они находятся, таким образом, чтобы зритель мог рассказать историю в живописи. Возможно, зритель увидит не одну историю, каждая из которых правдоподобна. Лесли Баллевег также стремится создать целостную картину, которая говорит об общности человеческой природы и мира, в котором мы живем . 

Марсель Дюшан «L.H.O.O.Q.»

LHOOQ, 1919, Марсель Дюшан. В частной коллекции
Опубликовано 12 марта 1920 г

Сюрреалисты утверждали, что необходимо вернуться к традиционному искусству. Наиболее ярко это желание выразил Марсель Дюшан в 1919 году, когда он представил картину «LHOOQ», на которой он нарисовал усы и бороду Моны Лизы. Этот прием — добавление к существующим и часто повседневным предметам мелких деталей, превращающих их в предмет искусства, — был назван «готовым» и использовался Дюшаном в дальнейших работах.

Название интересно тем, что LHOOQ при чтении созвучно французскому «там жарко», и маловероятно, чтобы Дюшан использовал такое сочетание букв случайно. Впоследствии художник не раз возвращался к этому обозначению: LHOOQ встречается в его работах в различных вариациях более тридцати раз.

Дюшан, который был близок к теме гендерной идентичности, в своем эксперименте с Моной Лизой также поднял вопрос пола, добавив мужские характеристики к олицетворению женственности. Как известно, он также подписывал некоторые работы женским псевдонимом Rose Sélavy, что созвучно фразе «Eros, c’est la vie» (фр. «Эрос, это жизнь»). Сохранилось также несколько фотосессий Дюшана в женской форме.

Несмотря на явное богохульство «бородатой» Джоконды, публика восприняла ее с интересом. Эксперименты с Джокондой продолжились: появились пародии на пародию. Картина остается популярной и сегодня: в 2017 году ее купили на аукционе за 743 тысячи долларов. В 2000 году во Франции была учреждена премия Марселя Дюшана, которая сегодня считается одним из крупнейших конкурсов в области современного искусства.

Известные художники и их произведения

Биография Сальвадора Дали

Сальвадор Дали

Один из самых известных художников ХХ века. Сальвадор Дали разработал свой способ восприятия мира, который он представил как «параноидально-критический» метод. Основоположник сюрреализма был поклонником теорий Зигмунда Фрейда и даже встречался с ним лично. Австрийский психолог считал сюрреалистов сумасшедшими и пил много алкоголя. Однако после встречи он признал мастерство уже известного в то время живописца.

Работы мастера, являющиеся предметом постоянных экспериментов, в основном необычны, противоположны реализму, полны сказочных пейзажей и деформированных фигур. Сюрреалист часто ссылался на фрейдистскую теорию подсознания. В его работах также присутствуют эротические темы и отсылки к известным произведениям прошлых эпох.

Самые известные произведения: «Постоянство памяти» и «Жираф в огне».

Постоянство памяти

Рене Магритт — бельгийский живописец загадок

Всемирную известность он получил благодаря своим остроумным и заставляющим задуматься произведениям. Травматические воспоминания о самоубийстве ее матери оказали значительное влияние на всю работу Магритта. На его картинах часто изображены кельи и надгробия, также тесно связанные с его детскими воспоминаниями. Его работы отличаются предельно точным исполнением, определенным настроением и поэзией. Рене Магритт изначально осознавал предпосылки сюрреализма, отказавшись от явных ссылок на сказочные видения. В необычных ситуациях он представлял повседневные предметы, удаленные от их первоначального контекста, таким образом играя с восприятием зрителя. Его произведения существенно повлияли на искусство второй половины ХХ века, особенно на поп-арт.

Несколько известных картин: «Влюбленные», «Голконда», «Ложное зеркало».

Поддельное зеркало

Макс Эрнст

Немецкий живописец, график, скульптор и писатель. На него сильно повлияли работы Пикассо, Ван Гога и Гогена. Первоначально связанный с движением Дада, он создавал свои работы, используя технику коллажа, типичную для этого авангардного движения. Эрнст был вдохновлен глубинной психологией и спиритизмом, и именно под их влиянием его работы перешли в сюрреалистическую фазу.

Важнейшие произведения: «Око тишины», «Голос Анжелики».

Глаз тишины

Джорджо де Кирико — предшественник сюрреализма

Итальянский художник и создатель метафизического искусства. Его творчество вдохновлено греческой мифологией, философией Ницше и Шопенгауэра. В его работах в основе лежат преимущественно сны, меланхолическое настроение, тревога, одиночество и иррациональные сравнения предметов. Это оказало огромное влияние на творчество Эрнста и Магритта.

В 1911–1918 годах художник создает загадочные картины, постоянно повторяющиеся пейзажи заброшенных городов, запечатленные в странной мимолетной перспективе, безлюдные площади, освещенные светом неизвестного происхождения, отбрасывающие длинные тени поднимающихся на них статуй или манекенов.

Атмосфера таинственности и тревоги была ближе к воспоминаниям о сновидениях, чем к объективному отображению реальности. Основная техника, используемая Кирико, заключалась в представлении обычных и часто используемых предметов в нетрадиционных комбинациях и в очень необычных обстоятельствах. Его работы сохраняют видимость реализма, но из-за искажений перспективы и неожиданных столкновений предметов из разных миров вызывают у зрителя тревогу, ностальгические воспоминания о давно забытых вещах,

Полотна Джорджо де Кирико представляют собой драму, которую можно охарактеризовать как сравнение мечты и геометрии, логики и воображения. Здесь мы встречаем линейки, циркули и квадраты, карты с контурами местности, анатомические схемы, но все это смешивается с реальностью, управляемой сном и снами.

Важнейшие произведения: «Тайна и уличная меланхолия», «Меланхолия прекрасного дня», «Песня о любви».

Меланхолия прекрасного дня

Жоан Миро — мастер ярких красок

Испанский художник, скульптор и керамист. Его работы оказали огромное влияние на искусство 20 века. Хотя он не признает принадлежность к какому-либо художественному направлению, его работы классифицируются как принадлежащие этому движению. Художественная автономия позволила ему экспериментировать с различными материалами, включая керамику, скульптуру или фрески. Художественный стиль Миро полон ярких красок и простых форм, связанных с радостным творчеством детей. Сам мастер сравнивал свои произведения со стихами.

Важнейшие картины: «Карнавал Арлекина», «Стоящая обнаженная», «Морковь».

Карнавал Арлекина

Сюрреализм встречается в работах таких мастеров, как Фрида Кало, Андре Массон, Ив Танги и других. Художники организовали несколько выставок своих работ, в том числе в Париже (1938), в которых приняли участие 70 художников из 14 стран. После Второй мировой войны выставки проходили в 1947, 1959 и 1960 годах. Они удивляли, провоцировали и даже шокировали.

Современный сюрреализм: арт, фотография и кинематограф

Наряду с литературой и рисованием характеристики этого движения довольно рано начали проявляться в кино. Дали работал над дебютным фильмом Луиса Бунюэля «Андалузская собака». Один из современных режиссеров, для которого этот стиль, несомненно, имеет большое значение, — Дэвид Линч. Твин Пикс — классический сериал о, казалось бы, нормальном американском городе. Однако реальность переплетается с кошмарными видениями, нет ничего ясного и очевидного. Герои скрывают темные тайны, нереальные обстоятельства и гротескные персонажи неожиданно появляются на каждом углу.

Движение быстро адаптировало новые средства выражения: вышеупомянутые кино и фотографию. Работа Филипа Халсмана 1948 года — хороший тому пример. На фото никто иной, как сам сеньор Дали. Особого смысла здесь искать не приходится: это просто идея и образ, которые создатели создали на основе другой фотографии, добавив новые элементы, которые в тот момент пришли им в голову. Интересный факт: для окончательного эффекта все пришлось повторить 26 раз, а сеанс длился более 5 часов. Помните, это было задолго до эры цифровой фотографии и фотошопа.

Кирилл Роландо

Цифровое искусство, современные художники, сюрреализм Сирил Роландо — французский цифровой художник. Сейчас он живет на юге Франции и работает психологом, но все свободное время посвящает созданию цифровых картин в стиле сюрреализма и фэнтези. Художник характеризует свои работы как «потусторонние картины», добавляя элементы собственной интуиции и философские аспекты личного опыта.

Хуан Миро

Всю карьеру этого испанского художника можно охарактеризовать как упорный эксперимент и бесконечное заигрывание с необъективностью.

Биоморфные формы, геометрические формы и полуабстрактные объекты определены как особенности творчества Миро. Художник часто работал с ограниченной цветовой палитрой, но цвета, которые он использовал, были довольно смелыми и претенциозными.

Миро изобрел новый тип живописного пространства, в котором визуальные объекты, созданные исключительно воображением художника, сосуществуют с основными и узнаваемыми формами — небесными телами, животными, лестницами и т.д., сферой и в пространстве картины Миро.

«Ферма» (1921)

Это полотно предлагает зрителю взглянуть на веселую испанскую семейную ферму. Сам Миро сказал, что именно «Фаттория» стала ключевой работой, результатом всей его жизни в деревне. Он хотел изобразить все, что любил в деревне, на холсте, от огромного дерева до маленькой улитки.

так получилось, что Миро работал над этим фото по восемь часов в день, и все это в течение девяти месяцев. С почти навязчивым вниманием к деталям он размещал различные предметы на монохроматических участках пространства, чтобы создать особый контраст.

Впоследствии картина была продана американскому писателю Эрнесту Хемингуэю.

История развития

Искусствоведы называют предшественником стиля И. Боша, в творчестве которого впервые проявился интерес к нереальным образам, фантастике, деформированной реальности искусства.

История развития стиля началась в Париже, но сюрреализм в живописи быстро распространился по Европе. С 20-х по 60-е годы ХХ века сюрреализм развивался в США, до 80-х — он проник в Африку, Азию, Австралию.

В 1924 г появился «Манифест стиля», автором которого был А. Бретон. Впоследствии издаются произведения, отражающие суть и философию сюрреализма:

1. «Магнитные поля» А. Бретона и Ф. Супо.
2. «Сюрреалистическая революция».
3. «Парижский крестьянин» Л. Арагона.

На развитие стиля повлияли научные исследования и теории З. Фрейда. Многие сюрреалисты скептически относились к психоанализу, но теория повлияла на большинство из них, привнеся в их работы тонкую психологию, эмоциональность и глубину. Считается одной из главных ценностей стиля: стремление к свободе, индивидуальности, отказ от картины в развитии живописного искусства. Работы Сальвадора Дали и других художников характеризуются иррациональностью и особой эстетикой, понятной далеко не всем.
Особенность стиля — символичность изображений.

На развитие направления повлияли работы известных творцов О. Редона и Дж. Моро, центральными темами их произведений стали: человеческое подсознание, иронические образы повседневной жизни, эротизм, магические, фантасмагорические образы.

Один из специфических приемов создания необычных произведений — творчество под воздействием наркотиков. Галлюцинации художников породили хаотичность сцены, изображенной на картине.

Стиль развивался в двух направлениях:

Иррациональное

Создание иррационального и нереального образа, формирующего подсознание. Сальвадор Дали считается отцом этого направления. Для него характерны: точность, выразительность образов и линий, яркость, фантазии на тему перевоплощения предметов. Иллюзия Сальвадора Дали убеждает благодаря его работе с цветом и перспективой. Точность и точность техники позволяют отнести картины художника к академизму. Когда речь заходит о сюрреализме, на ум приходят именно работы Дали: его картины являются образцом наиболее точной передачи основных идей стиля.

Подсознательное

Второе направление тесно связано с попытками визуализировать подсознание на холсте. Образы нечеткие, исчезают в абстракции. Представители: М. Эрнст, А. Мейсон.

Сюрреализм основан на индивидуальном восприятии человека, на ассоциациях. Несмотря на популярность картин в этом стиле, его можно назвать самой противоречивой из всех. Работы Сальвадора Дали были и остаются наиболее представительными для исследования направления в искусстве.

Рене Магритт

Еще один из самых известных авторов, работавших в стиле сюрреализма, — бельгийский художник Рене Магритт. Такой популярности он добился благодаря своеобразному подходу к стилю: сюрреализм, в котором пишет Магритт, называют парадоксальным. Образы, прекрасные своей ясностью и простотой, в то же время вызывают тревожные мысли; только на первый взгляд кажется, что они ничего под собой не прячут.

Магритт обладал талантом видеть что-то простое и повседневное и придавать своему образу что-то загадочное и мифическое. Он ненавидел психоанализ в живописи, его работы можно назвать более философскими и поэтическими. Художник старался избегать отвлекающих факторов, используемых в большей части современной живописи, и придерживался визуальной техники, которая четко определяла содержание его картин.

Ключевым элементом творчества Магритта можно назвать мужчин в котелках, которые очень часто появляются на его картинах. Их часто интерпретируют как автопортреты художника, хотя их можно рассматривать и как приземленные источники его вдохновения, которые, как вы знаете, окружают нас в самых приземленных деталях.

«Влюбленные» (1928)

На этой популярной сюрреалистической картине изображена целующаяся пара, лица которых полностью обернуты белой тканью. Магритт довольно часто оставлял комментарии к своим работам, но это оставалось без объяснения автора. Отсюда происходит множество самых разнообразных интерпретаций, предлагаемых искусствоведами и энтузиастами художников.

Распространенные версии — «Любовь слепа», «Любовь сходит с ума», которые, однако, кажутся слишком распространенными. Эксперты считают, что это попытка двух людей преодолеть отчуждение, которое они испытывают по отношению друг к другу, но они не могут этого сделать даже в момент близости. Есть еще версия, где все люди загадывают друг другу загадки, даже влюбленные.

«Сын человеческий» (1964)

На этой картине изображен мужчина в пальто и шляпе; позади него мы видим каменную стену, которая отделяется и открывает вид на голубое небо, облака и бесконечное море. Лицо мужчины покрыто зеленым яблоком, как будто оно висит в воздухе.

Основываясь на названии картины «Сын Человеческий», можно сделать предположение о ее значении: несмотря на то, что он изображает современного бизнесмена, он все же дитя Бога и, как Адам, способен поддаваться земным искушениям яблоко символизирует плод дерева познания.

Кэтрин Александре

Женственная красота, женский портрет, сюрреализм. Когда Екатерина Александра была маленькой, родители часто видели ее с карандашом в руке. Впоследствии она поступила и окончила Liceo Artistico, где получила диплом дизайнера. Затем он сделал гравюры с работ испанского мастера Альфонсо Саура. Катрин Александр — стилист Courtelle, отмеченный наградами. Еще она писатель, пишет романы, сценарии к фильмам. Он все время пытается улучшить свои навыки.

Фрида Кало

Эта всемирно известная художница, ставшая символом Мексики, прожила непростую жизнь, что отражено в ее творчестве. В возрасте шести лет она заболела полиомиелитом, который негативно повлиял на ее ногу и оставил девочку хромой, а двенадцать лет спустя Кало попала в серьезную автомобильную аварию, которая помешала ей иметь детей, и была вынуждена читать больше года. В этот период он начал писать в стиле сюрреализма.

Используя свои личные, физические и психологические трагедии в сочетании с реалистичными техниками рисования, Кало создавал эмоционально сырые и визуально тревожные картины. В его художественном вкладе в сюрреализм преобладали автопортреты, которые очень часто изображали художника в страдании.

«Автопортрет на границе между Мексикой и США» (1932)

Этим сюрреалистическим автопортретом Фрида выражает свои двойственные чувства к Соединенным Штатам. На фото она изображена в необычном для нее милом и элегантном розовом платье, в белых перчатках, как статуя на постаменте, между двумя разными мирами. Он держит мексиканский флаг, что демонстрирует его приоритеты.

С одной стороны, мы видим древний мексиканский пейзаж с теплыми природными тонами, экзотическими растениями и частями скульптур ацтеков — мексиканской стороной правят силы природы и естественный круговорот жизни. С другой стороны, мы видим мертвый и технологичный ландшафт Соединенных Штатов, изображенный в более темных тонах. Для соединения двух сторон на американской стороне есть только электрический генератор, который берет энергию из корней мексиканских растений и приводит в действие пьедестал, на котором стоит Фрида. Надпись на нем гласит: «Кармен Ривера написала свой портрет в 1932 году» (Кармен — имя, данное Фриде при крещении, Ривера — фамилия ее мужа).

«Две Фриды» (1939)

Этот двойной автопортрет — одна из самых узнаваемых сюрреалистических картин Фриды Кало. Он символизирует боль художника во время развода с мужем Диего Риверой и последующей трансформации его личности. Слева для зрителя Кало изображена в современной европейской одежде, которую она носила перед свадьбой. В браке она проникнута национализмом мужа и проявляет интерес к традиционной мексиканской одежде, которую носит на правой стороне портрета.

Женщины на картине держатся за руки, их также соединяют сердца, соединенные артерией. Мексиканка Фрида держит медальон с портретом своего мужа, а европейка Фрида истекает кровью из перерезанной артерии. Так Фрида показывает свои две разные личности. Кровоточащее сердце и грозовое небо на заднем плане являются основными символами католицизма и ритуального жертвоприношения ацтеков, что подчеркивается через физическую боль и личную боль художника.

Макс Эрнст «Слон Целебеса»

Слон из Целебеса, 1921, Макс Эрнст. Находится в галерее современного искусства Тейт

Слон Челебес — первая масштабная работа Макса Эрнста, ставшая одним из ключей к сюрреализму. Созданное после Первой мировой войны произведение пытается выразить весь ужас милитаризма. Сам художник писал: «1 августа 1914 года умер Макс Эрнст. Воскресший 11 ноября 1918 года юношей, пытающимся раскрыть мифы своего времени. «Вероятно, здесь он пытается разрушить веру в человеческий разум: как можно полагаться на разум, если он привел к войне?

Целебес — остров в Индонезии (ныне Сулавеси), который своими очертаниями напоминает слона. Эрнст также сказал, что название было навеяно неприличным детским стишком немецких школьников, где есть фраза «слон из Целебеса, похожий на демона».

Эрнст сказал, что композиция картины пришла в голову, когда он увидел в антропологическом дневнике фотографию большой корзины с пшеницей, которую использовали племена Южного Судана. Этим объясняются ритуальные столбы, изображенные на изображении. Возможно, художник имел в виду, что божества, перед которыми люди трепетали и поклонялись на заре человечества, никуда не ушли, а только возродились в других технико-милитаристских формах.

Механический слон, напоминающий образы танка, противогаза, плиты, выглядит огромным по сравнению с легкой женской фигурой на переднем плане, которая, кажется, зовет его неестественно искривленной рукой. У женщины нет головы — значит ли это, что творение может уничтожить своего создателя?

Пабло Пикассо «Сон»

Сон, 1932, Пабло Пикассо. В частной коллекции Стивена Коэна

Как и многие художники, Пикассо вдохновлял любовные переживания, воплощая их в своем творчестве. В картине «Сон» он изобразил свое новое увлечение: Мари-Терезу Вальтер, которую ласково называл Валькирией.

Мари-Терез Вальтер было 17 лет, когда она встретила Пабло Пикассо, который был на 28 лет старше ее и тоже был женат. Однако их отношения развивались очень быстро и страстно, в результате чего появилась целая серия сюрреалистических портретов, написанных Пикассо в 1932 году.

«Женщина с цветком», 1932, Пабло Пикассо. Находится в Базельской галерее
Чтение, 1932 год, Пабло Пикассо. В частной коллекции
Обнаженная, зеленые листья и бюст, 1932 год, Пабло Пикассо. Найдено в Центре искусств Векснера
Обнаженная в черном кресле, 1932 год, Пабло Пикассо. В частной коллекции

В картине «Сон», нарисованной за один день, Пикассо использует любопытную технику, разделяя лицо, изображенное спереди, на две половины, чтобы можно было наблюдать линию профиля. Эта комбинация несовместимых углов положила начало новому направлению в портретной живописи. Пикассо отказывается от реалистичного изображения спящей девушки, используя формы и цвета, чтобы вызывать эмоции и передавать общее ощущение мира и спокойствия.

В 2006 году владелец решил продать картину и уже согласовал с покупателем сумму сделки в 139 миллионов долларов, но случайно проткнул холст локтем. Кроме того, ожидались работы от ремонта, который обошелся незадачливому владельцу в 90 000 долларов, установления новой цены экспертами и нескольких судебных исков по вопросам страхования. В 2013 году покупатель все же получил мечту Пикассо, заплатив за нее 155 миллионов долларов, что на тот момент сделало картину самым дорогим произведением искусства в истории.

Прашанта Наяк

Женственная красота, сюрреализм, цветы в живописи Прашанта Наяк — современный индийский художник. Он родился в 1980 году в Агре. В 2003 году окончил Государственный колледж искусств и ремесел Калькуттского университета со степенью бакалавра изящных искусств, рисует акриловыми красками. Больше чем единожды…

Виктор Браунер

Великие художники, сюрреализм Работа художника Виктора Браунера (1903-1966) — это иероглифическая аллегория мира, представленная неугомонным интеллектуалом, чей разум потрясли ужасы Первой мировой войны, послевоенные лишения и Откровения Фрейда. Окончила Бухарестскую школу изящных искусств….

Макс Эрнст

Немец по происхождению Макс Эрнст был новаторским, провокационным художником, который извлекал из своего подсознания мечтательные сюжеты, высмеивая социальные основы. Он глубоко интересовался искусством живописи, созданным душевнобольными, как средством доступа к первобытным эмоциям и беспрепятственному творчеству.

Именно Эрнст изобрел технику, названную фроттажем: перенос текстуры шероховатой или выпуклой поверхности, такой как кора дерева, на бумагу. И желание рисовать из подсознания, также известное как автоматическая живопись, занимало центральное место в его работах в стиле сюрреализма и впоследствии повлияет на абстрактный импрессионизм.

«Двое детей и соловей» (1924)

К поверхности картины прикреплен красный деревянный забор, ворота которого приветливо приоткрываются и показывают нам, на первый взгляд, идиллическую картину, которая на самом деле является сценой ужаса и беспорядка.

Одна из девушек явно в беде: в поднятой руке она держит нож и, кажется, борется с птицей над головой — соловьем. Другая девушка в таком же сером платье обычно лежит на земле, как будто потеряла сознание. Эрнст привел к этому произведению две автобиографические ссылки: смерть сестры и детские галлюцинации во время лихорадки — он увидел птицу возле своей кровати.

«Ангел домашнего очага» (1937)

На картине изображено неизвестное фантастическое существо с вытянутыми конечностями, прыгающее и с довольно радостным выражением лица. Чудовище одето в лохмотья, очень странно декорировано; это выглядит некрасиво. Кроме того, из его правой ноги, кажется, рождается еще один непонятный монстр — точно так же, как размножаются клетки в раковой опухоли.

Это произведение — одно из редких произведений Эрнста в стиле сюрреализма, непосредственно вдохновленное мировыми политическими событиями — оно создано после разгрома республиканской Испании накануне зарождения и распространения немецкого фашизма. Название картины намеренно вводит публику в заблуждение, чтобы сыграть на контрасте и шокировать публику, заставляя задуматься.

Известные представители и их полотна

Сальвадор Дали

Испанский живописец, воплотивший в своих работах все идеалы стиля. «Я сюрреализм!» — так написал художник. Он одним из первых присоединился к группе творцов-сюрреалистов, организованной А. Бретоном. Через некоторое время его исключили из этого сообщества, но он продолжил развивать свой собственный стиль.Поздний этап творчества отмечен влиянием живописи эпохи Возрождения и академизма.

Самые известные картины Сальвадора Дали: «Мед слаще крови», «Головокружение», «Автопортрет», «Геополитический ребенок», «Молодая женщина со спины».

Марк Эрнст

Один из идеологов стиля, немецкий художник-сюрреалист, мастер коллажа. Особенностью его творчества является внимание к технике коллажа, значительное внимание к работе людей с психическими расстройствами, что стало одним из факторов его развития как сюрреалиста. Работы: «Французский сад», «Глаз тишины», «Кастор и Поллукс», «Женщина, старик и цветок».

Фрида Кало

Мексиканский художник-сюрреалист. Его произведения отличались особой смысловой наполненностью, эмоциональностью, яркостью. Особенность — Кало многие свои работы сосредоточила на себе, среди работ значительное количество автопортретов. Наиболее известные произведения: «Лань», «Плоды земли», «Две Фриды», «Что мне дала вода», «Разбитая колонна».

Ив Танги

Французский сюрреалист. За свою жизнь он сменил множество профессий, некоторое время провел в море — на торговом корабле, что повлияло на его живопись и начертание в искусстве. Тема моря и подводных обитателей стала центральной в его творчестве. Работы Танги узнаваемы: им присуща мрачность, романтизм, использование мягких линий, изображений облаков, волн, дыма: «Рука в облаках», «Лента границ», «Завтра», «Ветер», «Реинкарнация», «Смерть семьи».

Поль Дельво

Развил сюрреалистическое направление в Бельгии. На него повлияли работы художников де Кирико и де Смет. Центральная тема работ — обнаженное тело. Особенность творчества: использование изображений скелетов, например, в произведении «Распятие».

Рене Магритт «Вероломство образов»

Это не трубка Рене Магритта, 1928 год. Находится в музее LACMA в Лос-Анджелесе

Картина Рене Магритта «Предательство образов», написанная во второй половине 1920-х годов, изображает слишком реальную трубку: тонкие линии кривизны, света и тени. Наверное, работа не вызвала бы бурных дискуссий в мире искусства, если бы не одна деталь: надпись «Ceci n’est pas une pipe», нарисованная аккуратным почерком ребенка, означает «Это не трубка». «На французском».

«Трубка под которой написано, что это не труба?» — спросите вы, хмурясь от недоумения. И вот что Магритт, пожав плечами, ответил бы: «Можете ли вы набить эту трубку табаком? Нет, это просто шоу, не так ли? Так что если бы я написал на фото «Это трубка», я бы соврал.»

Это все сюрреализм: наше видение (в данном случае воплощенное на холсте) и реальный объект не идентичны. Как мы можем быть уверены, что действительно видим то, что видим? Помните, как вы однажды сделали ошибку, приняв объект в темноте за то, чем он не является — что, если мы будем повторять эту ошибку все время?

В 1966 году Магритт создал произведение под названием «Две загадки», в котором все еще фигурировала трубка. Художник предлагает развитие своих первых идей: если мы не уверены, что наше восприятие соответствует действительности, как мы можем подтвердить истинность этого суждения, не попав в собственную ловушку?

Два секрета, 1966, Рене Магритт. В частной коллекции

Эта концепция повлияла на дальнейшее развитие искусства и литературы. Например, известный философ Мишель Фуко написал эссе «Это не трубка», в котором подробно проанализировал и интегрировал идеи Магритта. Также маркетологи приняли формулировку «Это не…». Самой оригинальной является рекламная кампания страховой компании Allianz, где на плакатах с изображением курительной трубки, молотка и банановой кожуры, соответственно, есть надписи «Это не трубка — это бронхиальный контаминант», «Это не банановая кожура — это злокачественный паразит спины».

Рекламная кампания Альянса по произведению Рене Магритта — «Это не банановая кожура»
Рекламная кампания Альянса по произведению Рене Магритта — «Это не молоток»
Рекламная кампания Альянса по произведению Рене Магритта — «Это не плитка»

Энн Башелье

Сюрреализм, танец в живописи Метаморфозы, переход и развитие: вот основа искусства Анны Башелье. Художник очаровывает и покоряет публику яркими, оригинальными и мгновенно узнаваемыми образами. Искусство Анны Башелье неагрессивно: ее метафизические и сказочные фантазии вызывают как сильные, так и спокойные чувства, без чувства тревоги и страха. Неповторимый фантастический мир этого художника, выходящий за пределы времени и места, напоминает зрителю о вечном танце трансформации и возрождения.