Экспрессионизм в живописи: история развития, художники и картины

Ключевые идеи

Экспрессионизм — художественный стиль и направление в развитии культуры, в котором художник пытается представить не объективную реальность, а субъективные эмоции и реакции, возникающие у человека в ответ на мировые события. Художник достигает этой цели с помощью искажения, преувеличения, примитивизма или фантазии, с помощью ярких красок и выразительных мазков.

История и развитие романтизма в живописи

Термин

Термин «экспрессионизм» относится к живописным направлениям конца девятнадцатого — начала двадцатого века, школам эмоционального или интерпретативного искусства, которые возникли в основном в Германии, а затем и во Франции. Импрессионисты пытались найти способ по-новому отразить реальность, экспрессионисты критиковали их за ограниченность, выходящую за рамки традиционного восприятия реальности. Импрессионисты стремились передать особый свет и цвет, именно эти характеристики делали полотна импрессионистов уникальными. Экспрессионисты заслонили реальные предметы, сделав акцент на выражении чувств.

В широком смысле концепция отражает одно из основных направлений в искусстве конца XIX — начала XX века, характеристики которого можно выразить тремя словами: субъективность, яркость, эмоциональность.
Экспрессионизм рассматривается как устойчивая тенденция развития искусства Скандинавии и Германии в периоды духовных, социальных кризисов, перемен. Направление демонстрирует отход от норм классицизма и рационализма в сторону показа внутреннего мира художника.

Переосмысление

Рост экспрессионизма породил новые стандарты в создании и понимании искусства. Живопись больше не ограничивалась реалистичной визуализацией объектов окружающего мира. Целями художников было передать эмоции и чувства через искусство, использование абстрактных фигур для передачи предметов. Для этого они использовали яркие цвета, динамизм фактуры, не раскрывая интереса к перспективе и объему изображения.

История кубизма в живописи

Передача эмоций

Особенностью стиля является использование плавных линий для изображения объектов, преувеличенных штрихов, которые выглядят грубо. Выразительные характеристики произведений живописцев передают эмоциональное состояние художника, реагирующего на изменения в окружающем мире.

Особое место в творчестве занимали идеи социальной борьбы, роли человека в мире, последствиях урбанизации. Художники пытались привлечь внимание публики к одиночеству человека в большом городе, на эмоциональную отстраненность, на смену которой пришел капитализм и новые идеалы мира.

Бельгия

Бельгийские художники так называемой 2-й латемской группы откликнулись на тенденции экспрессионизма, фовизма и кубизма в своих крестьянских картинах — тяжелых и драматичных у К. Пермеке и других

К. Пермеке. Собрано. 1925 г

лирика Г де Смет. Сам экспрессионизм в Бельгии, связанный с трагическими событиями Первой мировой войны, приобретает особую окраску. Родоначальником этого направления был Констан Пермеке (1886-1952). На больших, разносторонних полотнах мастера знакомые бельгийскому искусству сюжеты — земля, море, изображения крестьян — окрашены в тона трагедии и глубокого душевного замешательства. Сквозь всю нарочитую искривление, упор на духовную ограниченность и грубость крестьянских образов Пермеке, его симпатию и симпатию к людям позволили художнику создавать эмоционально впечатляющие образы. Темный, тусклый цвет лица, нечеткое действие, неподвижность человеческих персонажей передают настроение болезненных предчувствий и отчаяния (I Promessi Sposi, 1923; Брюссель, Музей современного искусства). Гюстав де Смет (1877-1943), Жан Брюссельманс (1884-1953) по-своему переработали принципы экспрессионизма, первые — упрощая формы, придавая большое значение композиционной гармонии своих картин, вторые — увеличивая, ведущие проникающей силе хроматической системы их ландшафтов.

Голландия

В Голландии стиль, вошедший в историю искусства как экспрессионизм, действительно, явление довольно разнообразное. Более вероятно, что это не последовательный экспрессионизм, а

Г. Крейдер. Последний пейзаж 1934 г

направление экспрессионизма, очень сильно развитое в голландском искусстве и объединяющее самых разных мастеров, так или иначе связанных между собой, присуще всем их драматическому восприятию окружающей действительности. На развитие голландской версии экспрессионизма, безусловно, оказал влияние немецкий экспрессионизм (в основном экспрессионизм участников «Синего всадника» и «Штурма»), но еще более значительную роль в его оформлении сыграло искусство Ван Гог, а также французский фовизм. Именно это взаимодействие различных экспрессионистских тенденций, принятых и реализованных голландскими художниками, во многом определяет лицо голландского экспрессионизма.

В голландском экспрессионизме различают два направления — по двум центрам, в которых работали художники-экспрессионисты — Берген и Гронинген. Художники бергенской школы во многом руководствовались голландским периодом творчества Ван Гога. В эту группу входили: один из наиболее последовательных голландских экспрессионистов Герман Крайдер (1881-1935), смуглый цвет лица, тяжелые, примитивные, неподвижные формы и скрытые символика, полотна которой производят самое удручающее впечатление; Кубистические экспрессионисты Ло Фоконье и Лео

Х. Шабо. Пожар в Роттердаме. 1940 г

Гестель, а также М. Вигман, П. Вигман, Д. Филярский и другие.

Художники, работавшие в Гронингене — Ян Вигерс (1893-1959) с его яркими выразительными портретами и пейзажами, Хендрик Веркман (1882-1945), позже известный своими экспериментами в технике печати, график и монументалист Йохан Дейкстра, Ян Алтинк и другие — образованная в 1918 году группа «Де Плог» («Плуг»), близкая по своей программе немецким ассоциациям «Мост» и «Синий всадник», которые к тому времени уже были запущены. К гронингенианцам присоединилась группа художников, которые работали в Роттердаме и входили в ассоциацию De Branding (Surf) (1915-1925), которая в основном ориентировалась на экспрессионизм Кандинского, Клее и Швитерса. Самой сильной личностью этой группы обладал художник и скульптор Хендрик Сабо (1894-1949), впоследствии автор серии глубоко драматических пейзажей (Роттердамский пожар, 1940; Гаага, Городской музей).

Голландский экспрессионизм просуществовал недолго. Ко второй половине 1920-х годов большинство художников, которые его представляли, отошли от экспрессионизма и продолжили свои исследования в других направлениях: некоторые пытались четко, аккуратно и корректно противопоставить первую непосредственность и эмоциональную силу (П. Альма, И. Бендин).), третьи обратились к традициям старого доброго голландского реализма (Д. Нейланд, Каммерлинг Оннес), третьи искали новый реалистический художественный язык (Х. Кроп, Дж. Радекер). Однако школа экспрессионизма, тем не менее сохранившая визуализацию и интерес к духовному миру человека, сыграла важную роль в формировании голландской живописи ХХ века и воспитании нескольких выдающихся мастеров.

13. Социальные пороки и проблемы

Послевоенная Германия с ее инфляцией, проституцией, безработными инвалидами — бывшими солдатами — контраст между богатой буржуазией и людьми из низов общества — важная тема для художников-экспрессионистов. Они объединили драматизм с точностью и натурализмом «Новой материальности» в картине «Новая материальность» — направление в искусстве Германии 1920-х годов, переосмысливающее реализм и часто добавляющее черты экспрессионизма. В этом мире буквально все жалко, комично и противно.

Германия

Э. Барлах. Отчаянный танец, иллюстрация к пьесе Der Arme Vetter. 1919 г

Главный художественный принцип экспрессионизма, оказавший большое влияние на искусство некоторых стран Центральной Европы — передача или, скорее, выражение субъективного отношения художника к тому, что его волновало, — был, по мнению некоторых его апологетов, вкладом «немецкого духа» к новому европейскому искусству. Однако экспрессионизм был не столько четко определенной художественной системой, сколько некой общей тенденцией, воплотившей кризис духовной культуры Германии тех лет, растерянность представителей буржуазного гуманизма перед лицом трагических противоречий времени. Некоторые из наиболее прогрессивных в социальном отношении художников и теоретиков-экспрессионистов были охвачены искренним отчаянием, проникнутым ненавистью ко злу и жестокостью, преобладающей в мире

А. Макке. Дама в зеленой куртке. 1913 г

мир вокруг них. Им был чужд самодостаточный поиск чистой формы, характерный для многих других модернистских движений. Они искали духовно значимое искусство, раскрывающее трагедию человека в его современной жизни. Но исторический пессимизм мировоззрения, болезненный субъективизм, неверие в силы разума, отказ от реалистических основ искусства предопределили неспособность иногда талантливых мастеров найти в рамках экспрессионизма направление позитивного направления и художественно убедительное решение проблем, которые жизнь ставила перед искусством. Экспрессионистское искусство оставалось симптомом болезни, пережитой обществом, а не художественным осознанием истинных социальных причин этой болезни, а не эстетической формой борьбы с ней. Большинство немецких художников, связанных с экспрессионизмом, характеризуются переплетением призрачного и реального, субъективно произвольного и абстрактно символического.

«Мост» и «Синий всадник»

Э. Киршнер. Групповой портрет участников группы «Мост». 1926-1927 гг

Эрнст Людвиг Кирхнер инициировал создание группы «Мост»; в то время он изучал архитектуру в Дрездене и Мюнхене, но все больше увлекался графикой. Его первыми экспериментами были гравюры на дереве в стиле модерн. Кирхнер поддался многим другим увлечениям этого десятилетия: неоимпрессионистская живопись, африканское и восточное искусство, Гоген и Ван Гог, заразив своим энтузиазмом своих товарищей, которые вместе с ним изучали архитектуру. Сначала в 1902 году это был Фриц Блейл, затем в 1904 году — Эрих Хекель, а в 1905 году — Карл Шмидт-Ротлуф. Вскоре к квартету присоединились и другие артисты: Эмиль Нольде и Макс Пехштейн в 1906 году, Кеес Ван Донген в 1907 году, Отто Мюллер в 1910 году. Но некоторые из новобранцев оставались в группе очень недолго: Нольде — менее двух лет, Ван Донген и даже меньше. Финский художник Аксель Хаплен-Каллела также несколько раз выставлялся с группой. Но нет сомнений в том, что Кирхнер, Хеккель, Шмидт-Ротлуф и Пехштейн были основными столпами «Моста»: они жили вместе, работали вместе, делили деньги и материалы и вместе производили бюллетени, каталоги, плакаты, гравюры и литографии, которые имели предоставил группе чрезвычайно последовательные исторические документы.

Программа «Мост» имела много общего с французским фовизмом. Попытка разработать упрощенный

Э. Хекель. Белые лошади. 1912 г

эстетический словарь с краткими, сведенными к наиболее существенным формам, члены «Моста» обратились к творчеству Грюневальда и Альтдорфера, а также к искусству народов Африки. В довоенные годы к «Мосту» присоединились Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, Отто Мюллер.

В творчестве «Моста» художников, составлявших первое поколение немецких экспрессионистов, в 1910-е годы драматичность чувств постепенно усиливалась. Пышная, разноцветная живопись в их пейзажах и натюрмортах 1905–1907 годов заменяется более плоской и графической живописью. В 1910-е гг. К. Шмидт-Ротлуф писал абстрактные, почти бесполезные, ярко раскрашенные пейзажи, а наиболее драматичный и невменяемый из этих художников Э. Нольде — душераздирающие кричащие фантасмагорические сцены на библейские сюжеты. Творчество главных мастеров «Моста» проникнуто чувством жестокости окружающей среды и симпатией к осужденным на существование в ней осужденным. Здесь появляется новый способ соотношения искусства и действительности. Живопись не ограничивается воспроизведением или оценкой, а скорее рефлексивным способом

К ван Донген. Весна. 1908 г

он отвечает на пугающую действительность путаницей художественных чувств. Содержание формируется не столько драматизмом жизни, сколько драмой эстетических страстей, в которой резкие и резкие цвета, угловатые и ломаные линии играют свою трагическую роль и нарочитые контрасты черных и белых пятен в графике, к которым все об этих артистах они подробно рассказывают. В этой форме в режущей и кусающей живописи Э. Л. Киршнера человек и природа в строжайшей манере Э. Геккеля и в творчестве самого рефлексивного и демократичного из этих мастеров М. Печштейна, перешедшего затем от сострадания к людям, к активному революционное творчество.

Мост рухнул в 1913 году, когда индивидуальные различия его членов стали слишком очевидными, чтобы быть единым фронтом. Более того, на их картины был спрос на арт-рынке, и неизбежное соперничество подорвало единство группы. Но к настоящему времени влияние экспрессионизма распространилось по всей Германии, базирующейся в Мюнхене, где проводились многочисленные выставки и куда из-за границы проникали новые тенденции.

В. Кандинский. Москва I. 1916 г

«Синий всадник» — это объединение художников, близких к экспрессионизму, существовавшее в Мюнхене в период 1911-1914 годов. Основана В. Кандинским и Ф. Марком. Другие участники — А. Макке, Г. Мюнтер, Л. Фейнингер, А. Явленский, М. Веревкина, П. Клее, А. Кубин и другие. В 1914 г вышел единственный номер альманаха с таким же названием. Творчество некоторых художников «Синего рыцаря» стало одним из источников экспрессионистской линии абстракционизма. Среди экспертов нет единого мнения о принадлежности «Синего рыцаря» к экспрессионизму. Художники этого объединения слабо интересуются кризисным состоянием общества, их работы менее эмоциональны. Лирические и абстрактные ноты образуют в их произведениях новую гармонию, а искусство экспрессионизма по определению дисгармонично.

В Германии, хотя художники собирались вокруг определенных центров, таких как Мост и Синий всадник, некоторые из наиболее влиятельных членов этих групп оставались упорно независимыми в мире

А. Кубин. Пра-прабабушка. 1926 г

ваше творчество. И наоборот, не вступая ни в какое объединение, многие художники по-прежнему находились под влиянием современных тенденций. Типичный пример — художница Паула Модерсон-Беккер. Он был чувствительной натурой, на которую влиял романтизм Арнольда Беклина и Ханса фон Маре в сочетании с глубоко эмоциональным пониманием Гогена и Ван Гога, сохраняя при этом женскую нежность в его картинах. Но, работая в одиночку, она все же подошла к стилю, который идеально подходил ее времени и был задуман, сформулирован и использован группой «Мост». Карл Хофер — еще один независимый немецкий художник, работы которого, тем не менее, стилистически соответствовали общему характеру экспрессионизма.

Творчество немецких экспрессионистов имело элементы, которые придавали им сходство с французскими фовистами: у них были общие источники — не только вышеупомянутый модерн-маньеризм — ар-нуво, но и заметное личное восприятие творчества Ван Гога и Гогена. Экзотические мотивы в картинах немецких экспрессионистов (очевидно, они прослеживаются в работах Эмиля Нольде, а также, хотя и в

П. Модерзон-Беккер. Жительница приюта в саду 1906 г

в меньшей степени, у Паулы Модерсон-Беккер, Отто Мюллера и Макса Пехштейна) в каждом отдельном случае они почти наверняка пришли от Гогена, хотя здесь можно заподозрить прямое влияние восточного искусства. Но не это отличает работы Ван Гога или немецких экспрессионистов от французского фовизма, а то глубокое предубеждение, которое Вильгельм Форрингер назвал «трансцендентностью готического выражения». Трактаты Уоррингера «Абстракция и сантименты» и «Проблема формы в готике» оказались решающими для развития немецкого экспрессионизма. Первая книга, как справедливо утверждает сам автор, «стала своеобразным« Сезам, открой! » для постановки некоторых из важнейших вопросов того времени ». «Эта докторская диссертация молодого и неизвестного ученого повлияла на многие судьбы и духовную жизнь целой эпохи». Форрингер был первым, кто дал четкую теоретическую формулировку психологических различий между северным искусством и классическим и восточным искусством. Художники, которые должны были утверждать ценности современного экспрессионизма, теперь могли уверенно продвигаться на основе исторических свидетельств, то есть традиций, уходящих корнями в почву и в социальную эволюцию трансальпийских народов. Эта нордическая традиция сама по себе очень сложна, но есть один фактор

А. Явленский. Девушка с зеленым лицом. 1910 г

решающее: ему (искусству севера) нужен сверхъестественный пафос для возрождения неорганического мира, поскольку классическое восприятие окружающего мира как спокойной и безмятежной среды и человеческой деятельности, а искусство как гармоничное отражение этого мира (напоминающее о «удобный стул», предложенный Матиссом как идеал искусства) для этого недостаточно выразителен.

«Потребность северянина в активной деятельности, которая не перерастает в ясное понимание реальности и усиливается неспособностью принимать правильные решения, в конечном итоге приводит к нездоровой игре воображения. Реальность, которую готический человек не может с помощью чистого знания превратить в нечто естественное, слилась благодаря усиленной игре воображения, трансформируясь в преувеличенную и искаженную призрачную реальность. Все становится роковым и фантастическим. За видимым внешним видом предмета скрывается его карикатура, за отсутствием жизни — тревожная, призрачная жизнь, и постепенно все реальные предметы становятся гротескными… Стремление к деятельности, общее для всех, не связанное с конкретным предметом, следовательно, он теряется в бесконечности »(Уоррингер У., Форма в готике, 1927, стр. 75-76)

В этом утверждении вы можете найти черты самых разнообразных вариантов современной скандинавской

П. Клее. Золотая рыбка. 1925 г

экспрессионизм. Эдвард Мунк и Джеймс Энсор, Фердинанд Ходлер и Винсент Ван Гог двигаются этой тревожной энергией, чтобы изобразить «преувеличенную и искаженную призрачную реальность». В этом суть экспрессионизма, который не имеет ничего общего ни с умиротворяющей утонченностью классического искусства («объективированное самоудовлетворение», согласно известному определению Теодора Диппса), ни с мистической отстраненностью восточного искусства. На складе самого северного персонажа, как отмечал В. Форрингер, идет борьба за индивидуализацию и фрагментацию. «Личность» не формируется на основе социальных ценностей — напротив, «индивид» осознает свою изолированность, отстраненность, и это сознание может подняться до состояния самоотречения или презрения к себе (мы это ясно видим в трагической жизни Ван Гога). Но более естественным в такой ситуации является стремление художника к самоизоляции, к попыткам опираться на самоанализ или субъективное восприятие в поисках тем и вдохновения.

Оскар Кокошка

Оскар Кокошка родился в Пёхларн-ан-дер-Донау в 1886 году. В 1905–1909 годах он учился в Вене в Школе прикладного искусства и работал художником-графиком в «Венской мастерской» — ассоциации мастеров прикладного искусства.

Архитектор А. Лоос убедил художника посвятить себя живописи. Кокошка заинтересовался жанром портрета. В своих ранних портретах он стремился проникнуть в глубины внутреннего мира модели. Его работы, выполненные с неправильными линиями и переливающимися красками, очень эмоциональны («Адольф Лоос», 1909; «Ганс Титце и Эрика Титце-Конрат», 1909).

В 1909 году Кокошка прибыл в Берлин, где его графические и театральные работы были опубликованы в журнале Der Sturm
«Убийца, надежда женщин».

В 1911 году художник вернулся в Вену. Здесь он создает картины на религиозную тематику. Среди них — «Бегство в Египет» (1911-1912), «Благовещение» (1911). Кокошка по-своему интерпретирует традиционные образы европейской живописи, привнося элементы современной действительности и свое мироощущение. Живописная фактура его полотен становится все плотнее и тяжелее. Таким образом художник пишет не только евангельские композиции, но и портреты и картины символического содержания («Автопортрет с Альмой Малер», 1912–1913;
«Гроза, или невеста ветра», 1914 г).

В 1914 году художник ушел на фронт, где вскоре получил тяжелое ранение. Физические и душевные страдания (разрыв с любимой женщиной) сказываются на его картине, в которой появляются грустные нотки. Расцветка картин становится темной, фактура становится плотной и плотной. Работы этого периода, написанные мазками, напоминающими петли, шнуры, спирали, создают мрачное и трагическое ощущение (Gli emigranti, 1916-1917;
«Влюбленные с кошкой», 1917 г).

Кокошка живет в Дрездене с 1917 года. В 1919-1924 гг. Он профессор Дрезденской академии художеств.

С 1924 по 1933 год художник путешествовал по странам Европы, Малой Азии и Северной Африки. В этот период он в основном писал пейзажи: виды на город и его окрестности, порты (Венеция, лодки на таможне, 1924; Побережье у Дувра, 1926; Прага, Карлов мост, 1934). Своей воздушностью и трепетностью его пейзажи напоминают картины художников-импрессионистов.

В 1933 году Кокошка вернулся на родину — в Вену, а в 1934 году поселился в Праге. В 1937 году была написана его знаменитая картина «Портрет художника-дегенерата» — своеобразный вызов нацистам, развернувшим преследование мастеров «дегенеративного» искусства. В 1938 году живописцу пришлось эмигрировать в Лондон. В английской столице Кокошка вместе с представителями прогрессивной интеллигенции выступил против милитаризма.

О. Кокошка. Прага, Карлов мост. 1934 г.

После окончания Второй мировой войны художник снова совершил путешествие по Европе. Впечатления, полученные от путешествий по странам Европы, отразились в светлых и воздушных пейзажах («Вид Зальцбурга», 1950). Кокошка тоже не ушел из портретного жанра. Он создавал образы современников, отмеченные тонким психологизмом (Теодор Хейс, 1950). В 1950-х годах художник обратился к античным сюжетам и написал два монументальных триптиха («Сага о Прометее», 1950; Фермопилы, 1954).

Кокошка также занимался преподавательской деятельностью. В Зальцбурге работал в Летней Академии художеств. С 1953 года художник живет на берегу Женевского озера в Вильневе. Здесь он умер в 1980 году.

Экспрессионизм в театре и танце: примеры, признаки, представители

В основном это драма А. Стриндберга и Ф. Ведекинда. Тонкости психологии Розена и юмористическая правда жизни Мольера уступают место схематическим и обобщенным символическим фигурам (например, Сыну и Отцу). Главный герой в условиях всеобщей слепоты способен видеть свет и ему не посчастливилось восстать против него, что определяет неизбежный трагический финал.

Новая драма нашла своих зрителей не только в Германии, но и в США (под чутким руководством Юджина О’Нила) и России (сам Леонид Андреев), где Мейерхольд учил художников изображать состояния души с помощью резких движений и движений импульсивные жесты (эта техника получила название «биомеханика»).

Балет «Весенний фестиваль»

Визуализация души через пластику приняла форму экспрессионистского танца Мэри Вигман и Пины Бауш. Взрывная эстетика экспрессионизма проникла в строгий классический балет Вацлава Нижинского в постановке «Весна священная» 1913 года. Инновации проникли в консервативную культуру ценой огромного скандала.

Испания

Одним из основных направлений испанского искусства ХХ века стал экспрессионизм, оригинальность которого

Х. Солана. Птицы. 1921 г

он был основан на ложной и искаженной традиции живописи Гойи. Если отбросить мощную силу реализма и революционную страсть к искусству великого художника, испанские экспрессионисты черпали вдохновение в сложной аллегорической символике его картин в «Доме глухих». В свою очередь, зашифрованные образы этих работ воспринимались ими вне связи с творческой личностью Гойи, а только как проявление вечных темных импульсов человеческого подсознания.

Особое место в испанском экспрессионизме занимают работы Хосе Гутьерреса Соланы (1886-1945). Болезненный перелом и сложная мрачная символика нашли отражение в его творчестве. В то же время повышенная выразительность резких, порой очень резких образов, близкая к гротеску Соланы, ее темные и насыщенные цвета не лишены смысла жизненной правды и окрашены несомненной национальной самобытностью. Между тем, испанская действительность двадцатого века требовала от искусства выдвигать социально значимые формы размышления о жизни. Неслучайно некоторые мастера пытались занять позицию этого искусства. Их исследования, осложненные либо влиянием современности, либо стабильностью академических традиций гостиной, не сформировали целостного направления в скульптуре и живописи того времени. Жизнь страны с ее явными социальными противоречиями не получила здесь глубокого и полного раскрытия. Но важен сам факт обращения к темам окружающей действительности, реалистического языка образов.

2. Аллегорические и символические сюжеты

Личный опыт может принимать форму аллегории, иногда традиционной (изображающей смерть или пороки), иногда изобретенной самим художником. В этом экспрессионисты наследуют художников-символистов, таких как Эдвард Мунк и Джеймс Энсор. Тема смерти пользуется особой популярностью.

6. Отдых и развлечения

Массовая культура большого города — спорт, кафе, варьете, зоопарк, театр — красочна и динамична. Город на картинах экспрессионистов напоминает Вавилон, где все перемешано, а цвета и формы оглушительны.

Художники представители

Стиль сложился не только в Германии. Репрезентативные картины известны в творчестве русских, французских, итальянских художников первой половины 20 века. В межвоенный период экспрессионизм оказал серьезное влияние на течение авангардного искусства.

Винсент Ван Гог

Работы Ван Гога олицетворяют экспрессионизм и абстрактное искусство. Большинство его картин автобиографичны, они передают хронику его мыслей, чувств и душевного равновесия, композиции и нюансы, особые черты передают тонкое настроение художника. Особенность его творчества — использование символов и аллегорий.

Поль Гоген

Французский художник Поль Гоген полагался на цвет, чтобы выразить свои эмоции. Тоны различной интенсивности используются для передачи переживаний и эмоциональных состояний. Абстрактные работы считаются представителями стиля.

Мунк

Третий великий художник-экспрессионист — норвежский художник и гравер Э. Мунк. Художник страдал неврозом, а лучшие его картины были написаны до нервного срыва, изменившего его восприятие мира и передачу эмоций. Самая известная картина художника «Крик» — яркий образец экспрессионизма. Художники-символисты Ходлер и Энсор были предшественниками экспрессионизма.

16. Преувеличенно яркие или мрачные тона

Экспрессионистский цвет имеет мало общего с реальностью, он выражает сильные эмоции. Цвета могут быть контрастными, очень яркими, даже радостными (и тогда это приближается к фовизму Fauvism (от французского fauve — дикий) — модернистскому течению французской живописи конца XIX — начала XX века. Характерная техника — интенсивный бриллиант цвет, исчезновение светотени и линейных перспектив, сокращение формы до простых очертаний.) или глубокие и темные. Даже простой пейзаж может превратиться в фантасмагорию, а портрет — в эксцентричный, почти цирк.

12. Война и насилие

1910-е и 30-е годы в Германии были эпохой политических потрясений и военного насилия невероятных масштабов. Многие экспрессионисты ушли на фронт в 1914 году (например, Георг Гросс и Отто Дикс), некоторые — например, члены группы Blue Rider Франц Марк и Август Макке — были убиты в бою. Так или иначе, война коснулась всех. Сцены подлинного насилия или его аллегорическое изображение принимают форму сатиры и гротеска. Война часто кажется настоящим апокалипсисом, хотя некоторые картины были написаны до начала Первой мировой войны.

Италия

В конце 1930-х годов, в период усиления активности антифашистских сил, характер оппозиции изменился. В 1938 году вокруг миланского журнала Corrente (Flow) собралась группа самых прогрессивных художников. В его состав входят Р. Гуттузо (род. 1912), Э. Треккани (р. 1920), А. Сассу (р. 1912), Дж. Манзу (р. 1908), Р. Биролли (1906-1959), Э. Морлотти. (1910) и другие. Его влияние распространяется и на других художников

Р. Гуттузо. Распятие. 1940 г

город, в частности о будущих реалистах А. Пиццинато и Дж. Мукки. В основе группы также лежал европейский экспрессионизм. Однако в творчестве включенных в него художников оно приобрело новое звучание: искусство стало активнее, «проповедником», политически острее. По характеру он начинает приближаться к творчеству художников, таких как Кольвиц, или мастеров, выходящих за рамки настоящего экспрессионизма, таких как Барлах. Эстетическая поэзия группы была хорошо сформулирована критиком Р де Града в 1941 году: «Помимо средств художественного языка, мы заботимся о социальном развитии в целом. Мы хотим, чтобы связь искусства и жизни была ясной для более полного ее понимания ». Эта позиция объясняет повышенный интерес нынешних художников к реальности, который проявился в усилении элементов реализма в их творчестве. Меняется и тематика произведений. От узких камерных сюжетов художники переходят к социальной тематике, обращаясь в основном к самым трагическим моментам действительности. Так, Сассу пишет картину «Расстрел в Астурии» (1935), А. Бадоди (1913-1943) — «Вестник Бухенвальда» (1938; Милан, частное собрание), Гуттузо — «Расстрел» (посвященный Гарсиа Лорке). (1938; Рим, Национальная галерея современного искусства). Сильное впечатление произвела картина Гуттузо «Распятие» (1941 г .; собственность автора). В современном искусстве не так много картин, в которых человеческое страдание нашло бы такое сильное выражение. Ослепительный свет, так сказать, вырывает из темноты обнаженные фигуры. Тела напряглись в нечеловеческой агонии. Трагический контраст — подчеркнутый повседневный натюрморт переднего плана и камня

А. Сассу. Убит на площади Лорето. 1944 г

неподвижные фигуры палачей. Преобладающие красные тона создают впечатление, что вся сцена залита кровью. Бурная внутренняя динамика раскрывается особым богатством и разнообразием пластических решений. Несмотря на абстрактность сюжета, при отсылке, так сказать, к «эзоповскому» языку, антифашистский характер картины очевиден. Неслучайно вся официальная критика обрушилась на Коррента, поскольку он презрительно молчал о работах первых оппозиционных групп.

Конец войны положил конец «героическому экспрессионизму», который развивался в творчестве художников миланского объединения «Корренте». Последними работами такого рода можно считать графическую серию Гуттузо «Dio con noi!» Стрельба (1943).

Экспрессионизм в кино или киноэкспрессионизм

Кинематографический экспрессионизм начал развиваться в Германии в 20-е годы прошлого века. Когда экспрессионизм начал проявляться в кино, он пошел в совершенно другом направлении, кроме Голливуда.

Такие режиссеры, как Фридрих Вильгельм Мурнау (в его фильме «Носферату. Симфония ужаса») или Роберт Вин (в «Кабинете доктора Калигари») использовали приемы, которые не давали их картинам ни малейшей возможности выглядеть реалистично.

Например: преувеличенное использование ракурсов, ненатуралистическая сценография и темные предметы.

Кадр из фильма Роберта Вайна «Кабинет доктора Калигари», 1920 год

Их влияние до сих пор ощущается в современном кино в таких фильмах, как «Бегущий по лезвию» Ридли Скотта, «Эдвард руки-ножницы» Тима Бертона и многих других.

Экспрессионизм в кинематографе: примеры, признаки, представители

С 1920 по 1925 год на берлинских киностудиях появилось такое явление, как экспрессионистское кино. Асимметричные искажения пространства, кричащие символические декорации, акцент на невербальном общении, психологизация событий, акцент на жесты и мимику — все это признаки нового тренда на экране. Известные представители экспрессионистского кино, в творчестве которых прослеживаются все эти направления: Ф. В. Мурнау, Ф. Ланга, П. Лени. Определенную преемственность с модернистским кинематографом можно почувствовать, проанализировав знаменитую оперу Ларса фон Триера «Догвиль».

Знаменитые экспрессионисты и их работы

Художники-экспрессионисты

Винсент ван Гог

Автопортрет, Винсент Ван Гог (1853-1890)

Его методы стали определять многие более поздние художественные движения, он использовал импульсивное применение живописи и символических цветов для выражения субъективных эмоций.

Эдвард Мунк

Некоторые называют его первым экспрессионистом за то, как он использовал цвета, силу его красного и резкую яркость, с которой он воспринимает свои темы.

Джеймс Энсор

В свое время этот художник отказался от иллюзионизма и перспективы, обратившись к единой точке соприкосновения. Ensor стал увеличивать его объем, покрывая всю поверхность холста цветными пятнами.

Оскар Кокошка

Оскар Кокошка (1886-1980)

его помнят в истории как художника, который освободился от стилистических ограничений, а также заставил людей поверить в способность искусства повышать осведомленность о современных проблемах. Он стал примером для многих художников абстрактного экспрессионизма и неоэкспрессионизма.

Эти художники-экспрессионисты также очень известны:

• Эгон Шиле;
• Франческо Марко;
• Эмиль Нольде;
• Макс Пехштейн;
• Август Маке;
• Отто Мюллер.

Звездная ночь Винсента Ван Гога, 1889 г
«Рококо», художник Август Макке, 1912 год
«Олень в лесу», художник Франц Марк, 1914 г

Писатели-экспрессионисты

Среди известных немецких писателей можно найти таких авторов, как:

• Георг Гейм — «Гримаса»;
• Готфрид Бенн — Морг и другие стихи, детские, новые стихи и мясо»;

А писателей-экспрессионистов из Австрии можно назвать:

• поэт Георг Тракл — «Песня западной страны»;
• Густав Майринк — «Голем»;
• можно вспомнить и такое известное имя, как Франц Кафка (писал по-немецки, но родился в Чехии) — «Метаморфоза», «Процесс», «Замок», «Охотник Гракх».

Австрия

Альфред Кубин и Оскар Кокошка становятся характерными выразителями экспрессионистских тенденций австрийского искусства. В своих гротескно-фантастических зарисовках, рисунках пером Альфред

А. Кубин. В полете. 1920 г

Кубин (1877–1959) пытается создать своего рода апокалиптическое «отступление» в умирающем буржуазном обществе. Чувство гибели, страха, неминуемой гибели, пессимизма Кубин также вкладывает в свои иллюстрации к произведениям самых разных писателей. В Праге знакомится с Ф. Кафкой. Бредовые видения и галлюцинации смешиваются в уме Кубина с наблюдениями за реальностью. Иногда в его рисунках деревья превращаются в животных, дома — в жутких живых существ; «Зарисовками снов» он называет свои зарисовки. Кажется, что художник живет в атмосфере какого-то устрашающего кошмара, окрашивающего все его наблюдения за жизнью. Долго изучая творчество Босха и Брейгеля, Кубин в начале своей долгой карьеры был ближе к символизму (рисунок «Война», постепенно переходя к все более интенсивному экспрессионизму

А. Кубин. Калибан из цикла «Видения Шекспира». 1918 г

он усиливает гипноз своей фантасмагории, искажает то, что видит и свои видения, с удовольствием изображает ужасное или отталкивающее. В своем «Старом мельнике» она подробно изображает двор заброшенной мельницы с обломками жерновов, мусором и змеей, ползущей к неуклюжим жабам, которых она хочет проглотить. Его «старый рыбак» похож на колючую рыбку, рядом с которой он стоит, весь, так сказать, заросший какой-то слизью. Кубин сознательно отказывается от всякой «способности», видимо, ради прямой передачи искренности переживания. Но, постепенно наполняясь образами разложения, он сам до некоторой степени заражается разложением, которое он изобразил; ему не хватает храбрости информатора; он на несколько десятилетий содержится в одиночной камере в своем провинциальном доме в Цвикледте (Северная Австрия). Кубин создавал не только циклы своих фантазий (Занзара, 1911; Семь смертных грехов, 1915; Дикие животные, 1920; Танец смерти, 1925 и 1947; Демоны и призраки, 1926 и т.д.) », Но он также много иллюстрировал Эдгара По , Э. Т. Гофман, Стриндберг, Достоевский («Двойник») — более восьмидесяти произведений искусства. В творчестве этих писателей он пытался прежде всего увидеть отражение болезненных психических явлений современного человека. Он также иллюстрировал свой автобиографический роман «Другая сторона» (1908). Творчество Кубина в чем-то близко к искусству Джеймса Энсора, Мунка и отчасти Одилона Редона.

Типичными для того времени были работы австро-немецкого художника Оскара Кокошки (1886–1959). В живописном образе Кокошки некоторые исследователи увидели отголоски влияний

О. Кокошка. Портрет психиатра А. Фореля. 1908 г

австрийское барокко (в частности, Маульберх — момент плавной импровизации). Но, конечно, в основном это связано с явлениями австрийского декаданса; после 1910 г. — один из основоположников экспрессионизма. Кокошка начал выставляться в Сецессионе в 1897 году вместе с Климтом и Шиле. Художник в это время находился под влиянием учения Фрейда. В произведениях этого периода, например, в портретах, реалистичность уже постепенно уступает место нарастающему звучанию субъективистских моментов. В «Мечтающем мальчике» (1908; частное собрание) есть заметное совпадение с работами Пикассо «голубого» периода. Портрет психиатра А. Фореля (1908; Мангейм, Кунстхалле) — одно из самых сильных произведений Кокошки, в лучших портретах которого проявляется способность художника проникать в духовный мир изображаемого человека, его душевное состояние. Художник воспринимает человека как что-то постоянно меняющееся, нестабильное, еле уловимое. Кокошка часто оказывается на грани потери связи с действительностью; размышления и мечты привносят в портреты призрачные, иногда кошмарные моменты. Даже на портрете Фореля изображенный человек предстает перед нами, как если бы он был призраком, и его реальные характерные черты, хорошо понятные, видны так, как если бы они были наполовину стерты, растворены в мерцающем окружении. Иногда Кокошка придает портретам более общий смысл. Это его картина «С. Вероника »(1912; Будапешт, Музей изящных искусств) с саваном в руках, на котором изображено окровавленное лицо истерзанного Христа.

В творчестве Кокошки отразились неудачи и болезни тяжелой эпохи его родины. После него австрийское искусство перестало идентифицировать явления одного и того же громкого звука.

Сообщества

Центрами развития стиля стали немецкие города Дрезден, Берлин, Мюнхен. Наиболее известные сообщества, объединяющие представителей экспрессионизма:

Die Brucke (1905 — 1913)

Основанные в Дрездене, представители объединяли традиционное немецкое искусство с африканским искусством, постимпрессионистской и фовистской живописью. Художники: Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт, Эмиль Нольде, Отто Мюллер и Пехштейн.

Синий всадник (1911 — 1914)

Группа базируется в Мюнхене, названном в честь картины Кандинского. В состав группы вошли художники-авангардисты: Явленский, Кандинский, Клее, Марк и Маке.

Die Neue Sachlichkeit (1920-е годы) («Новая Объективность»)

Основанная в Берлине, группа исследовала новую форму реализма с социалистическим и абстрактным подтекстом. Сатира и яркая критика социальных проблем, политической и экономической жизни в Германии после Первой мировой войны. Представители: Джордж Грос, Отто Дикс, Макс Бекманн, Кристиан Шад.

Париж не был крупным центром развития экспрессионизма, но многие художники связаны с Парижской школой живописи. Четыре величайших экспрессиониста Ecole de Paris — это Франк Купка, Амедео Модильяни, Хаим Сутин и Пабло Пикассо.

Нью-Йорк вытеснил Париж в качестве центра инноваций в современном искусстве, и этот стиль был возрожден в форме абстрактного экспрессионизма в начале 1940-х годов. Наиболее важные представители: Джексо Поллок, Виллем де Кунинг, Марк Ротко, Барнетт Ньюман и Клиффорд Стилл.